Archives

5 nyårsmål att sätta dig själv 2021

Med början på ett nytt år kommer oändliga möjligheter till förändring, utveckling och enorm tillväxt. Nyår, nytt du, eller hur? Men när det är dags att omsätta dessa tankar kan det kännas lite överväldigande, så långt det låter dig undra – var ska jag börja? Jag är glad att du frågade.

Följ ditt hjärta

Om du följer ditt hjärta, förblir realistisk i dina förväntningar och håller huvudet i spelet kan du inte förlora. När det gäller att sätta upp dina mål är det första du vill göra att se till att de mål du väljer inte är godtyckliga och att de inte bygger på vad andra människor förväntar sig av dig. Välj mål som väcker dig och som gör att du faktiskt vill gå upp 2 timmar tidigare varje dag, eller arbeta med din karriär istället för att titta på din favoritshow.

Att ta tid att utveckla din karriär är kanske inte alltid lätt, och det kanske inte alltid är roligt, men om du följer ditt hjärta kommer du alltid att arbeta mot de saker som är viktigast för dig och tända din själ i eld. Det är ett bra ställe att vara på.

Ta dig tid till din musik

Det är detta fenomen som många av oss fastnar i där vi ägnar massor av tid åt att forska – en idé till en låt, hur man spelar in hemma, hur man skriver en bra bio – till den grad att vi aldrig faktiskt gör det vi forskar. Men här är saken – i kraft av att spendera hela tiden med att titta på det, känner vi att vi faktiskt har gjort något, och så klappar vi oss själva på axeln, tar en paus och cykeln fortsätter.

Kort sagt, det här är en form av förhalning, troligen baserad på en underliggande rädsla för vad man gör eller kräver. (mer om det nedan). Så ett av målen jag föreslår att du sätter upp för dig själv 2019 (och för alltid och alltid) är att faktiskt ta tid för din musik och hålla dig till den. Det betyder att du väljer en viss dag och tid för att utföra vissa uppgifter och sedan hålla dig till det. Till exempel, söndag kl. 19, schemalägger du veckans sociala medier. Den 15: e varje månad granskar du dina mål. Varje onsdag och torsdag i din albumsläppcykel pressar du. Och så vidare.

Ställ också in deadlines. Om du behöver undersöka en bio ger du dig själv en tidsfrist på 2 timmar den här veckan, och då måste du faktiskt arbeta med det.

Gör minst en sak i månaden som skrämmer dig

Personligen tycker jag att detta också är ett bra livsmål. Varje månad, sätt upp ett mål som skrämmer dig. Du vet vad jag menar. Den typen av saker du verkligen vill göra, som får dig närmare personen eller bandet du vill vara, men det är bara lite för läskigt, så du lägger det på bakbrännaren.

Under det nya året, försök ta bort den rädslan från hyllan och konfrontera den direkt – kom bara ihåg att vara snäll mot dig själv. Dessa bör vara små, uppnåbara mål. Om du är livrädd för att prata med främlingar, börja inte med ett mål som kräver att du kallar någon stor branschguru, istället förbinder dig bara att prata med de band du spelar med på din nästa show eller på en show du är deltar den månaden.

Genom att sätta upp och slutföra dessa mål kommer du inte bara närmare den du vill vara, du växer också din karriär och har nya erfarenheter. För att inte tala om att ju mer du besegrar dessa rädslor, desto mer kommer du sannolikt att få en högre adrenalinkick, vilket leder till att du – gissade det – vill hantera ännu mer. Det är som att bli överladdad i Mario Kart!

Samarbeta

Jag tror verkligen att samarbete är musikindustrins framtid. För att uttrycka det enkelt behöver vi varandra för att trivas, och vi växer så mycket snabbare (och mer fullständigt) när vi tillåter andra att hjälpa oss, och när vi erbjuder vår hjälp och vägledning i tur och ordning.

Med det nya året, gör det till ett mål att samarbeta med minst X antal människor och sätt sedan ett schema och några idéer för varje. Det kan vara något litet som en delad EP, eller en gemensam show med ett annat band, eller mer genomarbetat och kreativt samarbete med kaféet i centrum för att göra dem till en månadslista som de kan använda i butiken, som innehåller några av dina låtar (och låtar av andra lokala artister.) Bli kreativ och ha kul med det här!

Checka in

En av de viktigaste målsättningarna är att komma ihåg att checka in och justera därefter. Det är ok att dina mål ebbar och flödar över tiden – de ska vara flexibla. Genom att ta dig tid att se var du befinner dig månadsvis eller kvartalsvis förblir du bekant med dina mål (eftersom du regelbundet tittar på dem) samtidigt som du har möjlighet att justera dem baserat på vad som fungerar (och vad som inte är) t).

Hur förlust och motgång påverkar musiken

Musiker är inte annorlunda än icke-musikaliska människor på det sättet som de vanligtvis försöker undvika smärta och förlust. Men där låtskrivare och alla andra artister skiljer sig från resten av världen är på sättet de ofta belastas med att omvandla smärtsamma personliga erfarenheter till arbete som rör sig och relaterar till människor.

Musik är en spegel

Låt mig få bort det här ur vägen. Lidande är inte nödvändigtvis ett pålitligt låtskrivarverktyg. Faktum är att många konstnärer viker för motgången i sina liv snarare än att låta den informera sitt arbete på ett meningsfullt sätt. Men när låtskrivare kan närma sig lidande på ett sätt som utnyttjar deras talanger och unika röst, kan det resultera i något som rör lyssnare på ett meningsfullt sätt.

Som alla konstformer är den bästa musiken en spegel. Den kan återspegla mänskligheten på ett sätt som visar lyssnare något om vilka de är och tillståndet i deras egna unika omständigheter. Detta fungerar på samma sätt som en intensiv film drar in oss och får oss att känna något. Liksom karaktärerna i en berättelse upplever vi våra egna liv genom musiklinsen.

Och även om inte all musik är byggd på förlust och motgång, så finns det något med lidande som verkar resonera mer än glädje gör i en låt. Det är därför vi läser böcker och tittar på filmer om karaktärer som förlorar, kämpar och upplever utmaningar. En berättelse om att någon som går igenom livet får allt de vill är inte en historia som någon skulle vara intresserad av.

Men att införliva personliga erfarenheter av förlust och smärta i ett låtskrivararbete är inte lätt. Även om reflektion över något som en traumatisk upplevelse kan vara terapeutiskt för en låtskrivare, kan det vara förödande för en annan. Och samtidigt som vi prövar erfarenheter oundvikligen formar var och en av oss, borde eller kan inte alla musiker omvandla den smärtan till meningsfull musik. Smärta och kamp och svårigheter är komplicerat. Det betyder att vissa musiker är bättre på att förvandla sina smärtsamma upplevelser till ramen för fiktiva karaktärer eller till och med bara tonen, känslan och strukturen i deras musik. Det finns inget fel eller rätt sätt att närma sig lidande i musik.

Varför att vara eländig behöver inte nödvändigtvis göra dig till en bra låtskrivare

Förhållandet mellan motgångar och musik är komplext och svårt att beskriva. Om ekonomin med smärta i meningsfull musik var lika enkel som ju mer eländig en artist känner desto bättre musik de gör, skulle många musiker ge sig ut för att känna mer smärta än de redan gör. Lyckligtvis är det inte så det fungerar. Den torterade musiker tropen ger en bra historia, men den speglar sällan det verkliga livet. Unga, ambitiösa musiker ser ofta upp till låtskrivare med karriärer som har varit förknippade med missbruk, död, depression och förlust, men även om det finns många kända exempel på fenomenala musiker vars arbete var informerat av motgångar, är lidande inte vad gör fantastiska musiker bra. Bara deras arbete gör.

Varför sårbarhet är avgörande för låtskrivare

Sårbarhet är något som vissa musiker kan associera med de mer illamående och navelblickande aspekterna av popmusik. Hackade ballader med berättelser om oförklarad kärlek eller arg musik som kompenserar för brist på djup med extrema känslor och teman som jag tänker på. Men sanningen är att det är en stor skillnad mellan att sända känslor i musik från att närma sig den med verklig sårbarhet. Känslor kommer naturligt för de flesta av oss, men sårbarhet blir mycket svårare.

Varför sårbarhet och känslor är två väldigt olika saker

Varje musiker vet att känslor är avgörande i deras arbete. I grunden är musikens roll att relatera till och inspirera mänskliga känslor, vilket innebär att musiker som inte kan utföra känslomässigt inte riktigt kan vara musiker. Och även om många av oss ofta misstänker känslor för sårbarhet, kan de två inte vara mer olika. Känsla är något som återspeglar en persons naturliga stämning eller sinnestillstånd. Inom musik betyder det att införliva glädje, sorg och varje känsla däremellan i en sångs berättande och musikaliska stämning.

Men sårbarhet är något som präglas av risk för musikerns räkning. Dess bokstavliga definition är “kvaliteten eller tillståndet att utsättas för möjligheten att bli attackerad eller skadad, antingen fysiskt eller känslomässigt.

Känslomässig sårbarhet i musik är när en artist avslöjar en sanning om sig själv som kan påverka dem negativt. Ett konstigt sätt att se på det kan vara ungefär som en investering. Låtskrivare som anammar sårbarhet öppnar sig för risker i hopp om att musiken de skapar resonerar med lyssnare på ett meningsfullt sätt.

Riskerna med känslomässig sårbarhet i musik

Vad händer dåligt när en låtskrivare är sårbar? Det beror helt på låtskrivaren eftersom vi alla är rädda för olika saker – domar från vänner och familj, rädsla för att uppfattas som konstiga eller skadade, avslöjar sanna känslor om ett ämne som kan få människor att känna sig obekväma. Även om alla dessa omständigheter är olika, är de alla lika på det sättet att de lyfter gardinen bakom en konstnärs verkliga identitet.

Varför sårbarhet är så viktigt inom musik

Framför allt är den största anledningen till att sårbarhet i musik är avgörande för att den prioriterar sanning. Sårbarhet är något som hjälper musiker att skapa musik som avslöjar deras sanna identiteter och upplevelser. Detta hjälper dem att bekämpa tanken på att de “borde” skriva musik som ryms inom en viss ram eller förväntning. Om du någonsin har hört ett band som lät bra men saknade något för att dra dig in och försegla affären, kan en brist på sårbarhet ha varit varför.

Men sparken här är att vara sårbar är en verklig utmaning för många musiker. Kom ihåg att verklig sårbarhet tar verklig risk, och vissa låtskrivare är bara inte villiga att avslöja sig själva genom sin musik. Men för dem som är villiga att acceptera risken betyder utbetalningarna ofta skillnaden mellan att kunna relatera till publik eller inte.

Så här tar du reda på 2021 och får ut det mesta av 2022

Det är något riktigt speciellt med möjligheten att bedöma allt du har åstadkommit under föregående år och planera för en ljusare morgondag. Kanske är det planeringsnörd i mig, men det är bara något som verkligen lyser upp om chansen att börja om på nytt, ge dessa drömmar nytt liv och bygga vidare på den fart du redan har skapat.

För att komma igång, ställ dig själv dessa frågor och ta dig verkligen tid att reflektera. Jag föreslår att du går in på det här med penna och papper och skriver ner dina svar. Det kommer inte bara att hjälpa dig att formulera dina tankar, det kommer att ge dig något att reflektera över.

Vad gjorde jag som fungerade?

Ta först en stund för att verkligen fira dina framgångar. Fråga dig själv “vad gjorde jag som fungerade?” Vad fick dina fans att bli vilda och gav dig det lilla fladdrandet i magen som så ofta pekar oss i riktning mot det som är viktigast för oss?

Ta en titt på allt från dina sociala medier (mer om det nedan) till din liveshow, din merch -försäljning till eventuella personliga interaktioner du hade med fans och bransch och skriv ner det fysiskt – vad fungerade absolut, otvetydigt?

Vad kunde ha gjorts bättre?

Nu är det dags att gå tillbaka, lägga egon åt sidan och ta upp pennan för att skriva ner det som inte fungerade så bra som du hade hoppats. Kanske hade du svårt att få ut folk på shower. Skriv ner det. Kanske är ditt engagemang på sociala medier lågt. Skriv ner det.

Poängen med denna övning är inte att döma dig själv eller få dig att må dåligt, det är bara att få en uppfattning om tillväxtområden – och lita på mig, vi har alla dem! Inget att skämmas över här.

Har jag nått min målgrupp? (Vet jag ens vilka de är?)

Detta är en intressant. Så många artister tycks tro att de vet vem deras målgrupp är, men om du ber dem beskriva deras ideala fan eller vilken typ av person de försöker nå, snubblar de antingen eller säger “alla!”

“Alla” är inte en målgrupp, det är ett tecken på att du förmodligen inte riktigt känner till ditt varumärke och inte är helt tydlig med vem du riktar dig mot, så du hoppas bara att hämta folk längs vägen . Tyvärr kommer detta aldrig att fungera för långsiktig tillväxt. Om du fortsätter att undvika att förstå ditt varumärke och därmed finslipa din nisch och de människor som verkligen kommer att få och älska dig, kommer du aldrig riktigt att kunna bryta igenom det glastaket.

Ta dig tid att verkligen ta reda på vem din målgrupp är. Det är en tuff övning, men jag lovar, det kommer att göra stor skillnad framåt.

Hur ser mina sociala mediekanaler ut? (engagemang)

Oddsen är om du är super på varumärket och klar över vem din målgrupp är och du tillgodoser dem, då hoppar dina sociala kanaler. Om de är lite inaktuella och du inte får mycket engagemang (eller om samma 2-3 personer alltid gillar saker) är det ett annat ganska bra tecken på att du är förvirrad och din målgrupp inte har varit hittades.

Det finns många saker som skapar en konstnärs framgångsrika karriär, men en aktiv och engagerande social media är till 100% en av de mest informativa. Det spelar en roll i allt från hur dina fans ser på dig och hur aktiva de är för att förfölja dina shower/merch/musik/etc samt hur branschen ser dig (vad som visar dig boka, vilka festivaler du går på, vad chefer vill ha att arbeta med dig, vilka etiketter som är intressanta, vilka bloggar eller Spotify -spellistor du vill ha.) Det går verkligen inte att hoppa över detta om du vill bli en karriärmusiker. Du måste bara få ordning på dessa kanaler.

Hur är min liveshow?

Som någon som har varit i musikbranschen i nästan ett decennium har jag sett många liveshower. Och de flesta av dem suger. Om du undrar varför ingen kommer ut till dina program, börja här. Visst, det kan vara en hemsk plats eller en dålig natt eller skitväder, men jag lovar dig att om din liveshow är fantastisk kommer folk ut för att se dig. Detta är ytterligare ett av de fall där du måste lägga ditt ego åt sidan och ta en rejäl titt på fakta.

Jag säger inte att det inte finns någon förmildrande omständighet – det är en tuff marknad och det är inte lätt att få ut folk till dina shower, även om du är fantastisk att titta på. Men som utgångspunkt föreslår jag att du tittar länge på ditt liveshow och frågar dig själv var du kan göra det bättre. Förutsatt att musiken faktiskt låter bra live, tänk på teatrarna. Vad har dina favorit live -handlingar gemensamt? Folk kommer ut på en show för att få en upplevelse. Jag kom inte ut klockan 23 på en tisdag i 10 graders väder för att se dig stå där uppe och knappt röra på dig, tjafsa genom korta introduktioner som jag inte kan förstå och åka hem 20 minuter senare. Jag vill känna att jag är en del av något. Jag vill att du ska se ut som att du har tid i ditt liv där uppe, oavsett om det finns 5 personer i publiken eller 200. Jag vill gå därifrån och tänka “Nu var DET en liveshow!” och sedan berätta för alla mina vänner om det.

Vad är mina mål?

För att verkligen växa måste du ha mål och du måste veta vad de är. Jag handlar om att ha ett eller två sträckmål som du arbetar mot i längden, men försök också att begränsa 3-4 mål för året som du realistiskt kan arbeta mot och sedan arbeta bakåt för att ta reda på hur att göra dem till verklighet. Kom ihåg att om du bara säger “Jag vill ta med 200 personer till våra shower till sommaren” är det bra, men om du inte har en verklig plan för att komma dit, kommer det förmodligen inte att hända.

Så gör ditt mål och ta reda på vad jag behöver göra för att nå dit? Om ditt mål är att få ut 200 personer till din show i juli, ta reda på vad som måste hända från januari till juni för att skapa den verkligheten.

Vad behöver du göra i januari? Kanske måste du börja arbeta med dina sociala medier så att du får fansen engagerade och uppmärksamma. Ok, dela upp det i veckomål för januari. Vad behöver du göra varje vecka för att bygga upp det engagemanget?

I februari kanske du behöver undersöka och börja spela med Facebook -annonser så att du i mars kan börja använda dem för att få ut människor. Gör nu veckomål för februari och mars runt det.

Vad vill jag egentligen?

Detta är viktigt att fråga dig själv. Så många artister och människor i allmänhet tror att de vet vad de vill, men tanken är så abstrakt att jag inte är säker på att de verkligen gör det. Fråga dig själv vad du vill och fråga dig själv vad det egentligen betyder och varför du vill ha det.

Till exempel, om du säger att du vill logga på en etikett, fråga dig själv varför? Vad betyder det egentligen? Om det för dig betyder “jag får skapa musik och behöver inte oroa mig för något annat som sociala medier, shower etc.” då

2) om det du verkligen vill är att fokusera mer på musiken och mindre på verksamheten, kanske du behöver överväga att ha ett team som hjälper dig med det dagliga, mer än en etikett. Så egentligen behöver du pengar för att anställa ett team – en publicist som hanterar din press, en bokningsagent för program, en socialmediekonsult för att finjustera dina kanaler med dig, etc.

Bli specifik och försök verkligen gå djupare in på varför dina mål. Du kanske tycker att det du faktiskt vill är mycket annorlunda än den godtyckliga etiketten du slog på den

3 kreativa sätt att sprida ut ett album

Medan spellistor och musikströmningsvanor förvandlar musikindustrin på massiva sätt, är det fortfarande det bästa sättet att få uppmärksamhet från traditionella radio-, blogg- och pressmeddelanden genom att släppa musik via album. Tyvärr förändrar detta inte det faktum att lyssnarnas uppmärksamhet har förkortats dramatiskt under de senaste åren av saker som bekvämlighet som bärs via streamingplattformar, musikens nyfunna prisvärdhet och den häpnadsväckande mängden ny musik som nu kommer släpps ut i världen varje dag.

När det gäller att rita ut en identitet och skapa momentum är album det bästa alternativet, men att ta sig tid att skriva, producera, spela in och marknadsföra dem lovar inte bra för publik som nu förväntar sig ny musik oftare från sina favoritartister . Här är tre sätt att kreativt sprida utgivningen av ditt album.

Dela upp dina album i serier och släpp ett avsnitt i taget

Genom att bryta ner dina album och släppa dem i sektioner kan du få det bästa från två världar när det gäller att hålla publikens uppmärksamhet och hålla sig till ett konventionellt albumformat. Låt oss säga att du har spelat in ett album med 12 låtar. Genom att släppa den som tre serier under samma övergripande album har du tre chanser att få musik framför lyssnare, press och radio. Välj en singel för varje avsnitt i serien och använd den för att definiera och introducera varje avsnitt i albumet.

Men även om denna idé är bra för marknadsföring, är det något du förmodligen bör bestämma dig för innan du börjar skriva albumet och inte efter. För att separata serier ska bilda ett sammanhängande album bör låtarna passa ihop som vilket annat album som helst.

Släpp ditt album en låt i taget

Om vi ​​går tillbaka till vårt exempel på album med 12 låtar och släpper ut en låt i månaden så att du kan ge ny musik till dina lyssnare under ett helt år. Denna modell för att släppa musik hjälper till att behålla publikens uppmärksamhet, men det finns nackdelar. Om inte ditt album är skrivet för att spela som den ena spännande singeln efter den andra, kommer det säkert att bli uppehåll med några av dina singelsläpp. Lyssnarna är vana vid att det finns mindre engagerande musik varvat med mer högenergilåtar på ett album, men genom att släppa dem som fristående singlar riskerar du att din mindre spännande musik ignoreras och hörs. De låtar som lyssnare älskar mer och mer för varje lyssning slutar bli publikfavoriter, och medan albumformatet välkomnar den här typen av musik, gör det inte detta marknadsföringsformat. Släpp försiktigt.

Låt din publik bestämma hur ditt album släpps

Genom att låta de mest hängivna segmenten i din fanbase bestämma vilka låtar från ditt nya album som ska släppas har du fördelen att omvandla lyssnarintresse till resultat som dina fans kommer att bli glada över. Genom att vara kreativ genom den här processen, oavsett om det är genom en omröstning eller tävling på sociala medier, har du chansen att skapa intresse för din nya version och höra hur dina fans vill att din musik ska presenteras för dem samtidigt. Nyckeln här är dock att inte ge för mycket kontroll och säga över din musik till dina fans. Ha en detaljerad plan för alla alternativ och utför den när du vet vad dina fans vill ha.

5 sätt att öka ditt självförtroende i denna konkurrenskraftiga bransch

Som musiker har du en känsla av känslighet som driver din kreativitet och gör att du kan överföra kraftfulla känslor. Det kan också göra dig mer sårbar för motgångar och kritik. Dessa är helt oundvikliga och en integrerad del av resan. Det är faktiskt få branscher som är lika konkurrenskraftiga och instabila som musik. Så hur kan du övervinna själv tvivel och känslor av osäkerhet inför utmaningar?

Förtroende är en mycket nödvändig färdighet att ha om du vill lyckas i denna bransch, men det är en färdighet som du kan lära dig och utveckla. Här är några sätt du kan öka ditt självförtroende så att du kan komma ur din komfortzon, närma dig människor du vill arbeta med och undvika att må illa i magen innan du måste kliva upp på scenen.

Äg dina egenskaper och prestationer

Om du är som de flesta människor tar du sällan tid att reflektera över dina befintliga prestationer, istället alltid gå vidare till nästa sak. Att vara medveten om och äga dina styrkor och egenskaper är viktigt för att bygga upp självförtroende. Tänk på tre tidigare prestationer, stora som små, som du är stolt över och identifiera varför de får dig att känna dig stolt. Vilka underliggande egenskaper representerar dina prestationer? Till exempel, om du har lärt dig själv att spela ett nytt instrument, visar det mångsidighet, kreativitet och visar att du är självmotiverad. Allt detta är viktiga egenskaper som hjälper dig när du utvecklas i din musikaliska karriär.

Sluta bry dig om vad andra tycker

Lättare sagt än gjort, jag vet, men låt oss tänka på det en minut. Det finns 7,5 miljarder människor på jorden och det finns absolut inget sätt att du kommer att kunna tillfredsställa alla, eller hur? Om du skapar och avslöjar dig själv kommer du att bli kritiserad. Faktum är att du förmodligen också kritiserar och bedömer andra. Låt oss säga att du inte gräver tungmetall. Betyder det att alla metalband är i grunden dåliga? Nej, det betyder att du inte gillar heavy metal, punkt. Att släppa andras åsikter kommer att befria dig från att ständigt gissa dig själv eller oroa dig i onödan. Kom ihåg att vad andra tycker om dig har mer att göra med dem än vad det har med dig att göra.

Förvandla ditt negativa självtal till något mer stärkande

Lägg märke till hur du talar till dig själv, särskilt när du kämpar eller möter besvikelser. Tänk dig en show där du inte uppträdde som bäst. Skyller du på dig själv och säger saker internt som du aldrig skulle säga till din bästa vän? Att vara hård mot sig själv är inte det bästa sättet att utvecklas. Erkänn istället din besvikelse, se vad du kan lära av situationen och ta reda på hur du bäst kan gå vidare. Skapa en positiv bekräftelse med ord som fungerar för dig. Jag kommer att [något du kommer att göra annorlunda] nästa gång, när jag fortsätter att förbättra. ”Känns det inte mycket bättre?

Behåll en berömfil

Detta är ett tips jag ger alla mina kunder och använder mig själv. Anteckna positiva recensioner, fankärlek eller några ord av tacksamhet och uppmuntran som kommer din väg. Fina ord från din mormor räknas också! Du kan behålla en digital fil för enkel åtkomst och titta på den när du behöver ett ökat förtroende. Detta hjälper dig att vara positiv när det blir tufft. Även om sant förtroende kommer inifrån kan extern validering vara praktiskt i utmanande ögonblick, och vi behöver alla dessa klappar på axeln ibland.

Sluta jämföra dig med andra musiker

Det här är en stor. Sociala medier gör det väldigt enkelt för dig att jämföra och förtvivla. Gå inte i den fällan! Som du säkert redan vet är det som visas på sociala medier aldrig hela sanningen; följare och likes kan (och är) köpt, framgångar skryter och få människor delar faktiskt hur de verkligen känner. Glöm inte heller att alla är på sin egen, unika resa. Alla har en specifik kombination av talang, tidigare erfarenheter, färdigheter, kopplingar och driv. Du har ingen aning om vad andra kan ha offrat för att ha kommit dit de är idag. Att jämföra sig med andra kommer inte bara att göra att man känner sig mer osäker, det kommer också att beröva dig din dyrbara tid och energi. Så håll fokus på dina egna framsteg istället.

3 sätt att arbeta för exponering är dåligt för musiker

Ta upp tanken på att arbeta i utbyte mot exponering för en grupp erfarna musiker, och du kommer sannolikt att få svar av ilska och frustration i gengäld. Musiker som uppmanas att dela musik eller uppträda gratis är ett ämne som har dykt upp mycket de senaste åren, och det upprör de flesta av goda skäl. Här är tre sätt att arbeta för exponering är en dålig idé för ivriga och oerfarna musiker.

1. “Exponeringen” hamnar vanligtvis inte som du trodde att det skulle vara

När folk närmar sig ett band som ber dem om en gratis föreställning eller gratis musik, lovar de vanligtvis mycket exponering i utbyte mot stora folkmassor eller ökad uppmärksamhet riktad mot deras musik. Men här är saken – dessa löften uppfylls sällan. Låt oss säga att en lokal showpromotor vill att du öppnar en stor show gratis. Om showen faktiskt var stor skulle det hämtas in massor av pengar för att betala band. Människor som arbetar legitimt i musikindustrin betalar inte musiker med tomma löften – de betalar dem med faktiska pengar. De bästa möjligheterna inom musik är de som betalar både i en rättvis lön för musiker och i den extra exponering som följer med den. Att arbeta för exponering är inte värt det eftersom det inte finns något ansvar för partiets räkning som ber om gratis arbete. Om deras stora show eller projekt faller platt (och de flesta gör det), kan de borga utan att förlora några pengar trots att du har gett din tid och talang.

2. Att arbeta för gratis värderar musik på ett stort och farligt sätt

Om du är en seriös musiker som läser detta, tänk på allt som krävdes för att ta dig dit du är idag: otaliga timmar av träning och planering, tusentals dollar i musiklektioner, instrument och utrustning, och troligtvis mycket personlig offra. Varje gång du arbetar gratis med musik ger du bort allt det där. Oavsett om det går med på att spela en föreställning som inte betalar eller låta din musik visas gratis på en video någonstans, så arbetar du för exponering i musik devalverar dig och ditt arbete. Du skulle aldrig gå in i en restaurang, ett hotell eller en butik och berätta för ägaren att du kommer att berätta för alla dina vänner om deras verksamhet i utbyte mot något gratis. Och ändå ser många i världen musiken som en lättsinnig vara som musiker gärna tillhandahåller utan kostnad. När du arbetar gratis med musik skadar du inte bara dig själv utan alla andra som gör musik på allvar i processen.

3. Att arbeta i utbyte mot exponering tar dig inte närmare dina mål

Oavsett om du har stora drömmar om att sälja ut arenor över hela världen eller om du bara vill släppa ett album snart, kommer det inte att hjälpa dig att arbeta för exponering. Detta beror på att pengar är en viktig drivkraft inom musik oavsett vem du är och vad dina mål är. Allt i musik kostar pengar –– gasen du kommer att lägga i din bil för att få dig till shower, PR -kampanjen du kommer att lansera för att marknadsföra ditt nästa album, instrumentet du kommer att spela på scenen och spela in med, etc. Om du vill bli seriös med att musik är mer än bara en hobby, då måste det bli hållbart ekonomiskt någon gång och att arbeta med löften om mer exponering för din musik hjälper dig inte att komma dit.

Varför du aldrig ska skriva samma låt två gånger

Kreativitet är ett tufft djur att utnyttja och förstå med tanke på hur benägen att bilda vanor en genomsnittlig person är. Om du någonsin har funnit dig själv skriva samma saker om och om igen i musik, är det av en god anledning. Våra hjärnor och kroppar är uppbyggda på ett sätt som gynnar mönster och vanor så att vi inte tvingas lära oss att göra saker om och om igen. Det är därför det inte är en stor utmaning att knyta dina skor varje dag. Saker som muskelminne hjälper oss att internalisera handlingarna bakom mönster för att hjälpa oss att arbeta kompetent som musiker. Men när det gäller låtskrivande kan vanor vara en stor utmaning att kämpa med.

Varför låtskrivare ska sträva efter att säga något nytt med varje låt

Om du någonsin har skrivit samma låt två gånger har du förmodligen gjort det av vana. Låtskrivare lutar sig till välkända melodier, ackordprogressioner och rytmiska fraser eftersom de är bekvämare att spela det materialet mer än någonting annat. Om det här låter som dig kanske det är för att dessa idéer är de första du utvecklade när du först lärde dig att göra musik eller det kan vara för att du försöker replikera elementen i en annan låt du skrev som var framgångsrik. Hur som helst är det inte en bra idé att skriva samma låt två gånger.

Att kopiera och klistra in samma material från en låt du redan har skrivit i den nya musiken du arbetar med är inte bara dåligt för din publik, utan också för dig själv. Att upprepa samma idéer innebär att du snarare än att skapa något nytt snurrar bara på dina hjul genom att kasta ut gamla. Och även om låten du rippar från dig själv var framgångsrik, kan du inte skriva samma energi och inverkan som den hade första gången om du skrev den om igen med små förändringar här och där. Om du är uttråkad och slut på idéer kommer dina lyssnare att märka det.

Hur man bryter vanans vana i låtskrivande

Som jag nämnde tidigare ger vanan många fördelar för musiker när det gäller att spela instrument och komma ihåg koncept. Men för låtskrivande kan det vara skadligt för låtskrivare som försöker omfamna kreativitet. Eftersom en vanlig funktion är att eliminera risk och lära av saker, är det en bra idé att närma sig ditt arbete med fokus på nyfikenhet. Vad skulle hända om du skrev texterna till din musik innan du gör något annat? Hur skulle det låta om du skrev en låt med ett superlångt tempo eller en som innehöll dissonans? Hur skulle det fungera om du bara spelade riff på gitarr istället för fulla, öppna ackord? Att lägga till nyhet i din process är nyckeln här, och när vi inte känner till något betyder det att misslyckande är troligt. Men du kan inte vara en oförskämd låtskrivare utan att misslyckas, tyvärr. Vanor i låtskrivande säkerställer att vi inte misslyckas, men att följa dem innebär också att vi förmodligen inte kommer på något bra. Om du kan närma dig ditt arbete med en orädd nyfikenhet har du den bästa chansen att göra något nytt i motsats till att återuppta samma trötta idéer om och om igen.

5 sätt att Wow pressa med dina kampanjfoton

När det gäller att cementera det gynnsamma första intrycket tänker du förmodligen på en välgjord bio, en tight liveshow eller en engagerande social närvaro – och du har rätt! Alla dessa saker är av avgörande betydelse för att skapa inte bara ett bra första intryck utan en gynnsam anslutning på lång sikt. Men det finns ett område som artister tenderar att förbise – reklamfoton.

Oavsett om du ska börja med en PR -kampanj eller bara utrusta dina sociala medier kommer pressfoton att spela en viktig roll. Så hur skapar du foton som kan wow pressa, samtidigt som du drar in nya fans? Läs vidare.

Var tydlig med ditt varumärke

Först vill du vara helt tydlig med vad ditt varumärke är. Detta är tufft för många artister, men jag lovar att det inte bara kommer att löna sig att räkna ut det förr än senare, utan också vara oerhört nödvändigt när du fortsätter navigera i din karriär.

När det kommer till dagen för fotograferingen, kommer du in i den utan att ha en aning om vem du är eller vad du vill förmedla, kommer i bästa fall att stämma besvärliga och underliga bilder. Eftersom kunskap om ditt varumärke är en av de sakerna som kommer att vara viktiga för nästan alla aspekter av din karriär, vill du verkligen spika ner det ASAP.

När du planerar för fotograferingen kan du leta efter platser som är vettiga för ditt varumärke, samt välja kläder, rekvisita och brainstormposer som alla överensstämmer med ditt centrala tema. Att ha en plan för saker som hjälper till att skicka budskapet om vem du är är avgörande för tydlighet. Dina pressfoton ska alltid snabbt berätta för mig 1) vilken genre du spelar och 2) lite inblick i din personlighet.

Till exempel skulle du inte förvänta dig att hitta ett death metal -band som delar pressbilder av dem som ler in i solskenet på ett fält av blommor. Det skulle vara riktigt förvirrande och jag skulle bli superförvirrad när jag flippade på deras musik. Men om du är en folksångare som skriver låtar om kärlek och positivitet, skulle den inställningen och humöret troligen passa bättre.

Anlita en proffs

Försök inte göra detta med din väns smartphone. Jag bryr mig inte om det är den senaste versionen med en suverän kamera, det är fortfarande en smartphone och din vän är fortfarande (förmodligen) inte en professionell fotograf. (Om de är det, har de förmodligen också en professionell kamera och lite erfarenhet, och sedan har du min välsignelse)

Det kan vara lätt att försöka snåla med kostnaderna här genom att använda en telefon och en vän, men lita på mig när jag säger, medan det kanske fungerar i kläm, det kommer inte att vara en stark representation av vem du är, och det kommer att hinna med dig.

Fördelen med att anlita en professionell är inte bara att bilderna kommer att vara av mycket högre kvalitet, det är att de kommer att kunna styra dig på ett sätt som din vän helt enkelt inte kan. När du arbetar med någon som är van vid att ta bandpromofoton, vet de hur de ska rikta dig så att din arm inte ser konstig ut i ett skott och du inte fortsätter att göra det där obekväma ansiktet. Du anställer dem för deras färdigheter, och det inkluderar att göra dig bekväm så att du producerar bästa möjliga foton.

Lek med färger och rekvisita

Detta går tillsammans med att prova olika inställningar, men beroende på ditt märke, försök att introducera olika färger (särskilt färger som dyker upp som röda, gula, blues, etc.) och olika rekvisita som driver känslan av ditt varumärke. Om du bara lägger till en touch av färg eller bara rätt rekvisit kan du ta ett foto från helt tråkigt till helt fängslande.

Erbjud variation

När du tar och senare delar pressfoton vill du ha en mängd till ditt förfogande. Detta innebär olika platser, kläder och stämningar, så att du kan få en mängd olika bilder att leka med. Detta kommer att vara praktiskt när du skickar till pressen, men också som ett sätt att inkludera variation i din online -närvaro under de kommande 6 månaderna.

Även om dina pressbilder ska matcha från plattform till plattform (IE du inte vill ha ett annat profilfoto på varje plattform), om du har en mängd olika bilder att välja mellan, erbjuder det dig möjlighet att ändra det med några månaders mellanrum, för att saker inte ska bli för inaktuella.

Ha så kul

Slutligen, underskatta inte kraften i att ha kul. Det kan vara lätt att bli stressad av att ta det perfekta fotot, men i slutet av dagen vill du låta din personlighet lysa igenom och helst är den personligheten en som har åtminstone lite kul. Det betyder inte att dina foton behöver vara alla leenden, men när du tillåter dig själv att ha kul på uppsättningen, lossnar du, du släpper din vakt och bilderna kommer ut bättre. Win-Win.

3 låtskrivningsmetoder för att prova med ditt band

När du tittar utifrån kan låtskrivande vara en skrämmande uppgift. Våra favoritband kan få det att se enkelt ut, och även om några av de bästa låtarna skrivs på några minuter tar många veckor eller månader att slutföra. Jag har varit med mitt band i ungefär ett och ett halvt år nu, och vi har precis spelat in vår 5-låtars EP. I min tid med detta band har jag lärt mig mycket om att skriva låtar från grunden.

Jam effektivt

Jamming med andra musiker är alltid kul, men du måste se till att du gör detta effektivt. Alltför ofta innebär jam -sessioner helt enkelt att spela riff, beats eller låtar du känner, och slutar inte med det önskade resultatet av en ny låt – eller åtminstone en idé för en.

För att skriva nya låtar i en jamsession, undvik att spela vad du vet till varje pris – såvida det inte är en ny ackordprogression, riff eller melodi du har kommit fram till på egen hand som du inte har visat ditt band ännu. Rör istället med toner, ackord och slag tills du hittar något iögonfallande som du kan bygga på. Låt t.ex. När du väl har en del att jobba på blir det mycket lättare att skriva resten av låten, så gör det några gånger tills du hittar något du gillar och lägg till det.

Under jamsessioner kommer du att upptäcka att det är mycket produktivt att skriva i lager. Mitt band börjar vanligtvis med ett gitarrriff, lägger till trummor under och lägger sedan sång ovanpå. För dig kan det dock vara bättre att börja med ett slag. Experimentera lite med dina bandmedlemmar för att hitta det som ger det bästa övergripande resultatet.

Spela till en metronom

Detta innebär inte nödvändigtvis att spela med dina bandmedlemmar, men om du är instrumentalist i ditt band kan spelning med en metronom vara ett bra sätt att stimulera nya idéer. I mitt band har några av våra bästa låtar härrör från att jag själv eller vår andra gitarrist tog med sig riffidéer att träna för att sedan bygga en låt av.

För att komma med dessa idéer brukar jag sätta min metronom till ett slumpmässigt tempo och bara spela på min gitarr vad jag tänker på. Detta innebär mycket övning, och många gånger kommer du troligen att behöva spela ett bra tag innan det kommer något bra. Jag spelar ofta i minst 20 minuter innan några bra riff kommer ut ur detta.

Hitta inspiration

Ibland känner du bara ingenting och har ingen aning om var du ska börja. När jag har fastnat i ett kreativt spår letar jag ofta efter andra band, genrer eller beats som jag hittar online för att spela gitarr. Om jag hittar ett annat band som jag tycker om, vrider jag låtvolymen till en nivå där jag bara kan höra trummorna så att jag känner vad låten i låten är. Sedan spelar jag min egen gitarrdel över den. Detta gäller även för genrer utanför min egen – att spela gitarr över en raplåt kan till exempel ge nya och unika riffidéer.

I likhet med metronommetoden är en annan idé jag använder ofta att söka efter trumslag på YouTube att spela upp. Det finns bara något med att ha trummor att spela för som stimulerar kreativitet annorlunda än en metronom gör. Du kan enkelt prova detta själv genom att till exempel söka efter “120 bpm metal drum beat” på YouTube, välja ett trumslag och spela över det. Det finns massor av alternativ för dig att hitta inspiration från.

BONUS – Några snabba tips om musikteori

När jag började spela i det här bandet visste jag ingenting om musikteori. Att skriva låtar med musiker som är mycket bättre än jag själv krävde att jag lärde mig saker snabbt, vilket hjälpte mig att hitta några knep som gör låtskrivandet enklare.

Många musiker ser musikteori som ett hinder, men enligt min erfarenhet hjälper musikteori mig helt enkelt att uppnå samma resultat som jag annars skulle ha gjort utan det – bara mycket snabbare. Med det i åtanke, här är några snabba teorier om musikteori som hjälper dig att svara på några frågor jag hade tidigt i mitt lärande.

Om du inte kan dina skalor, hitta online -resurser

Om du inte kan dina vågor, kolla in all-guitar-chords.com för lite vägledning. De har alla skalor du kan tänka dig, men de vanligaste inom västerländsk musik är storskalan och den naturliga mindre skalan. De har också ackord, arpeggior och andra verktyg som är till hjälp för gitarristen.

Skillnaden mellan nyckel och våg

Inom musikteorin är nyckeln till en sång gruppen noter som ligger till grund för en musikalisk komposition. En skala är i princip en uppsättning anteckningar som börjar och slutar på samma ton och kan representeras i flera tangenter.

Så när vi säger “C -durskala” betyder det att vi tittar på storskalan i tangenten C, som börjar och slutar på not C. Om du flyttar upp hela mönstret med en ton, (en fret på gitarren eller en tangent på pianot, till exempel) blir det C# dur -skalan eftersom samma mönster sedan börjar och slutar på noten C#. Det finns mycket mer som går in på detta, men detta är en mycket grundläggande förklaring till hur nycklar och skalor fungerar tillsammans och bör ge dig något att börja med.

Förstå harmonier

En harmoni är en samtidig uppsättning noter som producerar ett ackord. När man diskuterar harmonier beskrivs noterna i intervaller som i stort sett räknar antalet steg i skalan de är borta från noten du spelar. När någon talar om den femte i en lapp, till exempel, talar de om lappen som är fem steg från noten de refererar till. För att hitta den femte, räkna bara 5 noter bort från noten du spelar (inklusive noten du spelar i räkningen) inom storskalan.

Enkelt, eller hur? Du kan använda denna information för att styra dina vokalmelodier eller instrumentalskrivning. Varje lager i en låt ska ha anteckningar som tillsammans utgör ett ackord. En bra tumregel är att landa på roten (huvudnot av ett ackord), 3: e eller 5: e av huvudackordet med dina leadgitarrpartier eller sångmelodier.