Archives

Hur tacksamhet kan göra dig till en bättre musiker

Tacksamhet är inget vi tänker så mycket på inom musikindustrin. Den obevekliga arbetsmoral som krävs för att göra musik och tävla i ett hårt och oförlåtligt musikklimat gör det svårt för musiker att tänka på något annat än vad som krävs för att få en meningsfull fart att hända för sitt arbete. Men om du är en musiker som försöker bygga en karriär inom musik, kan du gå tillbaka ett ögonblick och vara tacksam för vad du redan har åstadkommit inom musik kan ge dig ett positivt nytt perspektiv och hopp för ditt arbete.

Vad är tacksamhet i musik?

Jämförelsesspelet är något som plågar många seriösa musiker som arbetar idag. Det är en rättighetsattityd som bygger på tanken att om en konstnär arbetar hårt och är tillräckligt begåvad, kommer konkret framgång säkert att komma. De flesta av oss vet att det inte är så musik fungerar, men vi kan ofta inte skaka känslan av att när en annan artist lyckas, är vi på något sätt på väg att tappa bort. Tacksamhet är ett bra sätt att bekämpa den känslan.

Tacksamhet i musik flyttar en konstnärs fokus bort från branschens förväntningar och andra musikeres framgångar och pekar tillbaka på vad som händer med deras eget arbete. Det handlar om att titta bort från var du desperat vill gå i musik och vara glad för var du är –– oavsett var du befinner dig. Istället för att önska att du hade ett visst antal fans, visningar, gillar eller pengar från musik, inbjuder tacksamhet dig att överväga hur långt du redan har kommit och fira dina framsteg. Även något så enkelt som att kunna hålla ett instrument och hämta musik från det är en barnslig uppskattning som de flesta av oss inte har nått på åratal, men den typen av enkel tacksamhet är precis det som kan hjälpa oss att se vårt arbete i ett nytt ljus.

Vad finns det att vara tacksam för i musiken?

Utan tacksamhet kommer du aldrig att bli glad eller uppfylld i musik. Oavsett hur materiellt framgångsrik du är, kommer det alltid att finnas någon som mår bättre. Det betyder att tacksamhet blir en stor grej inom musik, oavsett om du är en stor superstjärna eller ett barn som gör musik i ditt sovrum. Du kan vara tacksam i musik för allt från en turné som går smidigt till ett fan som säger att din musik betyder något för dem. Nyckeln är att lära sig känna igen stora eller små segrar och att ta sig tid att fira dem.

Tacksamhet är inte ambition eller självbelåtenhet

Och innan du tror att det här är en attityd som strider mot den ambition som krävs för att bli framgångsrik inom musik, så är det verkligen inte det. Tacksamhet ber oss att se utanför oss själva för att inse allt positivt som har hänt med vårt arbete. Tillfredsställelse ber oss inte att göra något annat än att gå igenom motionerna och behålla status quo.

Har du problem med att hitta något att skriva om?

Låtskrivare kämpar ofta med att inte veta vad de ska skriva musik om. För vissa läsare är texter och skrivet material till låtar något som faller sig naturligt, men för andra känns det som en oöverstiglig utmaning att ta reda på vad man ska skriva musik om. Om du är en låtskrivare som inte hittar något att skriva om, här är fyra tips för att hjälpa:

1. Skriv om de saker du inte vill tänka på

Jag vet att det här verkar som ett konstigt råd, men stanna kvar hos mig. De flesta av oss lägger mycket tid på att undvika obehagliga tankar eller saker som vi helst inte skulle möta eller acceptera om oss själva. Om du inte har något att skriva om kan det bero på att du ägnar så mycket energi åt att blockera den här typen av idéer istället för att tänka på vad de egentligen betyder. Det finns många idéer att hitta för människor som väljer att möta sin rädsla.

2. Testa fritt att skriva

Låtskrivare är inte musiker först och textförfattare andra. Historierna i musik slutar vara otroligt meningsfulla för lyssnare vilket innebär att du ska göra ditt bästa för att skriva meningsfulla texter. Eftersom de flesta låtskrivare inte är erfarna författare vet många inte värdet av gratisskrivande. Fri skrivning är att skriva kontinuerligt utan att oroa dig för stavning, grammatik eller innehållet i dina skrivna tankar. Det är en övning som kan hjälpa till att låsa upp och inspirera idéer hos en person. Allt du behöver är din bärbara dator eller penna och papper och en icke-dömande inställning för att göra detta.

3. Om du inte vill skriva om ditt eget liv, försök skriva fiktiva berättelser

Fiktivt berättande är något som visar sig vara katartiskt för många låtskrivare. Ibland är våra egna historier för smärtsamma eller komplicerade att berätta i vår musik. Om det här är du, försök att skriva en fiktiv historia som hedrar dina icke-fiktiva känslor. Det behöver inte översättas perfekt, men skönlitteratur är ett bra verktyg för lyriska idéer att spela när en låtskrivare inte vill avslöja saker om sitt eget liv eller när de helt enkelt inte har något verkligt att skriva om.

4. Ge dig själv tillåtelse att skriva om saker som inte är vettiga

Det finns ingen stor sångregel som säger att allt vi skriver musik om måste vara meningsfullt. Om du inte verkar få en sång för att texterna aldrig är bra eller sammanhängande nog, försök att skriva texter som inte är vettiga eller till och med skämtar. Du kan hata det du kommer på eller träningen kan vara precis vad du behöver för att slappna av och låta idéer komma till dig naturligt. Något som inte talas tillräckligt om i musik är processen att skriva texter. Vissa författare börjar låtar med texter, och andra sjunger skräp över ackordprogressioner tills något vettigt dyker upp. Jag råkar vara i den senare kategorin och jag tycker att begrepp visar sig när jag lossnar tillräckligt för att de ska komma fram. Att släppa förväntningarna och vara löjlig eller till och med bara sjunga nonsens över musik är saker som kan visa dig en väg framåt när du hänger på att skriva texter.

Incheckning för nyår: Gör du det bästa av dina resolutioner?

Åh, 2019. Efter ytterligare ett år fylld av prövningar och vedermödor, lärandeupplevelser och de stunder som gjorde oss, får vi möjligheten att verkligen göra en bedömning av vad året innebar och hur vi kan förbättra allt som var (och var inte) 2018, och tillämpa det för att göra 2019 till vårt bästa år hittills.

Så spännande som ett nyår är, det är bara lika bra som de löften du håller. Det betyder att nu när vi är några veckor inne kan det vara lätt att glida in i gamla vanor och lämna dina nyårslöften kvar i dammet. Vill du se till att det inte händer? Vi har skapat en checklista för att se till att du fortsätter att få ut det mesta av dessa resolutioner nu och under året.

Använd en planerare

Om du är en organiserande nörd som jag, är det troligt att du redan har din planerare klar och klar. Men om du är någon som är lite mer avslappnad i ditt tillvägagångssätt, och som inte längre fungerar för dig, är min bästa rekommendation att investera i en kvalitetsplanerare. Det finns ett TON där ute, men det är viktigt att välja en som passar både din personlighet och ditt arbetsflöde. Det kommer inte att göra någon nytta om du inte tycker om att använda det, så ta lite tid att vara säker på att du väljer rätt.

Det finns vissa planerare som är inriktade specifikt på musiker och yrkesverksamma inom musikindustrin. De har en plats att spåra dina månatliga och veckovisa mål, skriva ut dagliga uppgifter och reflektera över de framsteg du har gjort varje vecka. De inkluderar till och med en plats för att kartlägga ditt sociala medieinnehåll, hålla reda på dina nyhetsbrevsteman och spåra öppningar och utrymme att reflektera över några av de större frågorna som styr framsteg som “var vill jag vara ett år från nu?” och “vad behöver jag budgeta för?”

Schemalägg regelbundna incheckningar
När du vet vad det är du går efter, se till att du planerar regelbundna incheckningar med dig själv. Mitt förslag är månadsvis, men gör det som fungerar för dig. Genom att ta dig tid att bedöma var du befinner dig och mäta det mot var du vill vara kan du vara säker på att du alltid går framåt.

Om du till exempel visste att du i januari ville ha routingen för din nästa turné klar, men när du checkar in i slutet av januari inser du att du inte riktigt har slutfört alla städer, det låter dig till A) prioritera efterbehandlingen före månadsskiftet eller B) justera framtida mål/förväntade resultat för att tillgodose den extra tid du behöver.

Var inte rädd för att ändra det

Detta leder mig perfekt in i vår nästa punkt – var inte rädd för att ändra det och leka med ditt schema. Även om du inte vill ständigt ändra dina mål, särskilt om det är för att du upptäcker att du bara inte tar dig tid för dem, är det ingen skam att bestämma att du vill gå en annan väg eller gå i en ny riktning.

Kom ihåg att du vill ha en plan och en översikt över vad du går för på lång sikt, men hur du kommer dit är upp till dig. Om något fungerar så bra! Hålla fast vid det. Men om det inte är det, är det ingen skada att prova något nytt. Ha en plan, men var flexibel.

Omvärdera efter 6-månadersmärket

Om du har gjort ovanstående incheckningar är du förmodligen redan på god väg för ett framgångsrikt år för att uppnå dina mål-så den här 6-månaders incheckningen kommer inte att vara alltför annorlunda. Men det som gör halvårsmärket lite mer betydelsefullt är att det visar en obestridlig historia om hur du har spenderat första halvåret av ditt år. Genom att ta in hela sex månader (snarare än bara den senaste månaden eller så som du har gjort) får du en känsla av den större bilden.

Har du varit i hustle -läge och som ett resultat har du nått de flesta eller alla dina månatliga mål? Eller har du haft problem med att hålla dig till en plan och du har bara nått ett eller två av dina mål? Tanken här är inte att skämma ut sig själv eller känna skuld – det är helt enkelt att bedöma var du är och vad som har fungerat bra eller inte fungerar alls så att du kan justera och se till att du ger allt du har för de återstående 6 månaderna.

Hitta ett supportsystem

Alla behöver ett supportsystem, och de flesta av oss skulle vara bra om vi har någon form av ansvarskompis eller en vanlig gruppcheckning som en hjärna. Beroende på ditt schema och vilken typ av person du är, kan du hitta ditt supportsystem via en Facebook-gemenskap, ett personligt möte i branschen eller en veckovis eller månadsvis hjärna med 2-3 andra musiker eller branschpersonal som är i samma situation som du, och vem du kan hitta uppmuntran och inspiration i (den sista delen är särskilt viktig).

Målet är att ha lite ansvar samtidigt som du har ett supportsystem som du kan vända dig till i tider av frustration och förvirring, liksom glädje och fest. Hitta de människor som gör att du vill bli bättre och gör dem till en integrerad del av ditt liv.

Varför press och radiouttag inte har hunnit med att strömma musik

Musik har förändrats på några anmärkningsvärda sätt under de senaste åren. Spellistor ger enorma mängder exponering för tidigare okända artister i alla åldrar och erfarenhetsnivåer och analytisk information från streamingplattformar kan nu berätta för musiker detaljerad information om vem som lyssnar på deras musik och hur de upptäckte den.

Men den största förändringen av musik vi ser är nedbrytningen av albumformatet. 2016 fann forskare att lyssnare började lyssna mer på musik på spellistor än de gjorde genom traditionella album. Detta representerar en jordskakande förändring för musikindustrin, och vi är inte i närheten av poängen att kunna förstå vad allt betyder. Men något som är lätt att se på kort sikt är att press- och radiouttag verkar vara långsamma att anpassa sig till musikens nya verklighet.

Singlar och kreativa albumformat är mindre säljbara för traditionella press- och radioformat

Som svar på nya lyssnarvanor skriver och släpper musiker sin musik på nya sätt. Sammantaget finns det en känsla i branschen att om artister väntar för länge med att släppa ut ny musik, kommer de att tappa fanintresse helt enkelt på grund av att så mycket ny musik nu släpps så ofta. Vissa musiker ägnar sin tid åt att skriva singel efter singel i hopp om att en av deras ansträngningar kommer att ta sig in på populära spellistor. Andra väljer att sträcka ut det ursprungliga albumkonceptet genom att släppa delar av ett album antingen en eller ett par låtar åt gången.

Men när du tänker om hur du sätter din musik ut i världen är meningsfullt, är det fortfarande den bästa vägen när det gäller press och radio att släppa din musik genom album eller EP-skivor i full längd. Medan musikbloggar verkar vara mer öppna för tanken på att presentera singlar eller delar av album, tycks de flesta stora smakframställande radiostationer, alt veckotidningar och tidningar i hög grad gynna artister som lägger ut traditionella album. Faktum är att många radiostationer fortfarande vägrar att acceptera digitala album. Streamingplattformar ger utan tvekan många mindre artister ett steg upp så långt exponeringen når, men när det gäller att få din musik med på traditionell radio blir vägen ganska tuffare.

Avrunda lösa singlar eller bygga en ny release från grunden

Om du har ett gäng lösa singlar som du vill marknadsföra på traditionella sätt är den enklaste lösningen att gruppera dem alla och släppa dem som ett album. Men det är inte mycket av ett alternativ för artister som har ett experimentellt förhållningssätt till sina utgåvor. Världen förväntar sig att album låter något sammanhängande, så att slänga ihop ett gäng olikartade låtar kanske inte är det bästa sättet att ge världen ett sätt att definiera och förstå din musik. Ett album är ett enormt avgörande musikaliskt ögonblick även för en artist, så det är bäst att inte slösa den möjligheten på något annat än din bästa insats.

Varför reklam och bild bara kan få din musik så långt

En snabb internetsökning ger dig en mängd olika sätt att marknadsföra din musik och odla din identitet som artist. Det går inte att komma runt det faktum att att tänka på hur du presenterar och marknadsför dig själv som artist ger dig den bästa chansen att få din musik hörd i detta brutalt konkurrenskraftiga musikklimat. Men konstnärer får fel när de sätter image och marknadsföring framför allt annat när det gäller deras arbete.

Vad vill du vara?

Om du läser frågan och svarar på “musiker” eller “låtskrivare” måste musiken stå i centrum för allt du gör som artist. Från hur du klär dig i bandfoton till vad du lägger ut på sociala medier måste göras med din musik i åtanke. Det är svårt att acceptera att musik ofta är svårt att göra för de flesta, även erfarna musiker. För att kompensera väljer några av oss att bygga våra varumärken och öka våra bilder nu i hopp om att vi kommer att inspireras till att göra bra musik senare. Men vad säljer en snygg image och genomtänkt marknadsföringskampanj för en artist om det inte är deras musik? Det säljer en musikers önskan att bli känd och älskad och lite annat. Om du sätter dig själv i en lyssnares skor är en artist som handlar mer om att leverera hype än verklig musik inte värd att lyssna på.

Sätt din musik först och ditt budskap andra

Musiker väljer vanligtvis inte att fokusera mer på sin bild än sin musik medvetet, men det är något som händer mycket i dagens sociala medier-drivna musikkultur. Ett sätt att bekämpa detta är att börja se allt du gör som artist som handlingar som är avgörande för att skicka ett meddelande om din musik. Detta är ett säkert sätt att sätta din musik i centrum för allt du gör. Istället för att främja dig själv först och göra musik senare, ta lite tid att få en känsla för vad din musik betyder, inte bara för dig utan också dina lyssnare. Cat memes och fåniga musikvideor kan få dig lite uppmärksamhet på kort sikt, men är det saker som verkligen stämmer överens med och tjänar de budskap du vill förmedla om din musik?

Att basera din image och reklaminsatser uteslutande kring din musik begränsar dina val, men på det bästa sättet. När en artist vet vad deras musik egentligen handlar om kan de begränsa sätten att bäst presentera sig själva och sitt musikaliska budskap. Detta gör marknadsföring och varumärke enklare än det är för musiker som inte kan definiera vad deras musik betyder och varför de vill göra det. Om det här låter som dig, oroa dig inte. Att bilda en solid musikalisk identitet är något som ofta tar musiker år att göra. Det är inte något som kan tvingas eller rusas, men det är något du bör börja tänka på så snart du kan. När du lär dig mer om musikens identitet blir det mycket enklare att marknadsföra den.

Musiklag 101: Gemensamma musiklicenser

Precis som alla andra egendomar kan musikupphovsrätten och de enskilda ensamrätten till dessa överföras, säljas, licensieras och delas mellan flera ägare. I allmänhet behöver du tillstånd från både den musikaliska verkets ägare (vanligtvis en utgivare) och ljudinspelningsägaren (vanligtvis ett skivbolag) för att använda inspelad upphovsrättsskyddat musik. Observera dock att om du spelar in en låt igen (i stället för att använda en förinspelad version) krävs i allmänhet bara tillstånd från ägaren av det musikaliska verket (eftersom du inte använder någon annans ljudinspelning).

Nedan följer beskrivningar av vanliga musiklicenser:

Mekaniska licenser: Denna typ av licenser tillåter endast ljudåtergivning av ett musikverk, som vanligtvis styrs av en musikutgivare. Till exempel kommer ett skivbolag att ingå ett mekaniskt licensavtal med en musikutgivare eller annan musikalisk verkare för att tillåta återgivning och distribution av en inspelning av det musikaliska verket.

115 § Obligatorisk licens: 115 § obligatorisk licens är en lagstadgad mekanisk licens som tillåter alla att reproducera och distribuera kopior av icke -dramatiska musikverk, under vissa förutsättningar. Sådana kopior kan innefatta fysiska kopior, inklusive CD -skivor och skivor, eller kopior som görs i samband med digitala sändningar (definierade som “digitala telefonupptagningsleveranser” eller “DPD”), inklusive digitala nedladdningar, begränsade eller “bundna” nedladdningar, interaktiv strömning och ringsignaler . Villkoren för 115 § -licensen inkluderar följande:

Upphovsrättsinnehavaren måste ha distribuerat musikverket till allmänheten (det vill säga upphovsrättsinnehavaren har rätt att kontrollera den första användningen av en musikalisk komposition);
Användarens primära syfte måste vara att skapa och distribuera “telefonrekord” eller DPD: er till allmänheten för privat bruk (det finns ingen obligatorisk licens för att använda musik med video);
Användaren kan göra ett musikaliskt arrangemang av verket i den utsträckning som är nödvändig för att anpassa det till stilen eller tolkningssättet för föreställningen, men användaren får inte ändra verkets grundmelodi eller grundkaraktär;

Användningen kan inte innebära att kopiera en ljudinspelning (om inte separat tillstånd erhålls från ägaren till ljudinspelningen); och

Användaren måste betala en obligatorisk licens royalty. Royaltypriserna fastställs av Copyright Royalty Board, som består av tre heltidsdomare som utses av kongressens bibliotekarie.

Som vi kommer att diskutera i vårt nästa inlägg, ändrar den nyligen antagna musikmoderniseringslagen processen för att erhålla och administrera den obligatoriska licensavsnittet 115, särskilt för digitala musikleverantörer som Spotify, Apple Music och Tidal.

Master Use Licenses: Denna typ av licens tillåter återgivning av en ljudinspelning, som vanligtvis kontrolleras av ett skivbolag. Till exempel skulle man behöva en master use -licens för att sätta ihop en sammanställningsrekord av befintliga inspelningar, för att använda ett “sampel” av en befintlig inspelning i en ny låt eller för att använda en befintlig inspelning i en film. Det finns ingen lagstadgad obligatorisk licens för återgivning av ljudinspelningar, så licensavgifter för master use kan variera mycket.

Synkroniseringslicenser: Denna typ av licens, även känd som en “synk” -licens, tillåter reproduktion av ett musikaliskt verk som ska användas i samband med visuella bilder, till exempel en film, tv -program eller tv -reklam. Synkroniseringsavgifter kan variera mycket. Och kom ihåg att synkroniseringslicenser vanligtvis bara täcker det musikaliska verket. Om en befintlig ljudinspelning ska användas i det nya audiovisuella verket krävs också en masteranvändningstillstånd från skivbolaget.

Föreställningslicenser: Framförande av musikverk, till exempel genom att spela låtar på radion, på tv, på en webbplats eller i butiker, restauranger, barer och nattklubbar, är i allmänhet tillåtet enligt prestandelicenser som utfärdats av de tre organisationerna för utövande rättigheter (“PRO”): ASCAP (www.ascap.com), BMI (www.bmi.com) och SESAC (www.sesac.com). Ett nytt PRO har också nyligen kommit in på scenen – Global Music Rights (www.globalmusicrights.com). På uppdrag av anslutna författare och utgivare utfärdar PRO -leverantörer i allmänhet övergripande prestandelicenser till musikanvändare, och licensavgifter är baserade på en mängd olika faktorer.

114 § Obligatorisk licens: Prestandalicenser för användning av ljudinspelningar är endast nödvändiga när prestanda sker via digital ljudöverföring, till exempel för internetradiostationer. Rätten att offentligt utföra en ljudinspelning kan säkerställas genom en obligatorisk licens enligt 114 § i upphovsrättslagen, på vissa villkor. Den lagstadgade licensen administreras av en organisation som heter SoundExchange. Till skillnad från PRO -licenser erbjuder eller förhandlar SoundExchange inte om något licensavtal. Snarare måste en webbansvarig lämna in ett “meddelande om användning” till US Copyright Office tillsammans med en ansökningsavgift innan den börjar strömma. Vid ansökan är en webbplats automatiskt berättigad till avsnitt 114 lagstadgad strömningslicens, förutsatt att webbcastern uppfyller flera lagstadgade villkor, inklusive följande:

Webbsändningen kan inte vara interaktiv (det vill säga låtar kan inte spelas “på begäran” och låtar kan inte spelas inom en timme efter en begäran eller vid en tidpunkt som lyssnaren har angett).

Webbsändningen måste innehålla informationen som kodas i ljudinspelningen av upphovsrättsinnehavaren, till exempel titeln, artisten och annan relaterad information.

Webbcastern kan inte under någon tre timmars period spela mer än tre ljudinspelningar från ett album (och högst två låtar som spelas i rad) eller fyra ljudinspelningar från samma artist eller från någon uppsättning eller sammanställning.

Webbcastern kan inte publicera ett program i förväg eller meddela i förväg när specifika låtar kommer att spelas.
Webbcaster måste göra månatliga betalningar till SoundExchange till den lagstadgade kursen som bestäms av Copyright Royalty Board (som varierar beroende på vilken typ av tjänst som tillhandahålls). SoundExchange betalar, efter avdrag för driftskostnader, 50% av de insamlade royaltiesna till upphovsrättsinnehavaren (vanligtvis skivbolaget), 45% till de inspelade artisterna och 5% till de icke-presenterade musikerna och sångarna.
Print (Lyric) Licensing: Denna typ av licens, som är skyddad från låtskrivaren eller musikutgivaren, i tillämpliga fall, tillåter utskrift av noter eller texter till en låt, till exempel för karaoke-CD-skivor, webbplatser, T-shirts och affischer.

I vårt nästa musiklag 101 -inlägg kommer vi att stänga av ämnet upphovsrättslagstiftning och diskutera den nya musikmoderniseringslagen och förklara de viktiga ändringarna av upphovsrättslagen.

Music Law 101 -serien tillhandahålls av Coe W. Ramsey och Amanda M. Whorton från advokatbyrån Brooks, Pierce, McLendon, Humphrey & Leonard LLP. Brooks Pierce tillhandahåller sofistikerade och strategiska råd till en mängd olika kunder i underhållningsindustrin, inklusive artister, musiker, låtskrivare, skivproducenter, DJ: ar, artistchefer, radiostationer, tv -stationer, nya medieföretag, skiv- och förlagsföretag, film och tv -producenter, annonsörer, skådespelare och reality -tv -talanger, radiotalanger och litterära författare och förlag. Music Law 101 -serien tillhandahåller en enkätintroduktion till lagarna i USA som är relevanta för musikindustrin, är inte avsedd och ska inte på något sätt tolkas som juridisk rådgivning eller juridiskt yttrande om några specifika fakta eller omständigheter, och ska inte tolkas som att skapa en advokat-klient relation.

5 saker att vänta på din första DIY -rundtur

Om du är en vanlig läsare av ReverbNation -bloggen eller bara är en erfaren musiker, vet du redan hur obehaglig turné kan vara för musiker på alla nivåer. Men det finns något unikt och berättelsesvärt när ett ungt band ger sig ut för att spela en turné som de bokade själva för första gången. DIY -turné är brutalt arbete men är också den typ av saker som förvandlar oerfarna musiker till självsäkra artister. För unga och oerfarna, här är fem saker du kan förvänta dig på din första DIY -turné:

Liten eller ingen lön

Jag vet jag vet. Det handlar inte om pengar, eller hur? Ja, men pengar är viktiga för saker som att köpa mat och fylla på din bensintank på turné. Du kan ha tur med pengar på din första DIY, men oddsen är att du inte kommer att göra det. Platser är också företag, inte bara byggnader med coola namn som vill hjälpa nya band att uppfylla sina drömmar. De flesta mindre arenor betalar band ett belopp som beror på hur många människor de tar med sig genom dörren. Om du inte tar med folk till dina shower på din första turné, kommer du inte att tjäna mycket pengar. Men snarare än att låta detta avskräcka dig, är det bäst att spara pengar i förväg och se turnén som en investering mer än någonting annat.

Tomma rum och tveksamma lokaler

Om det här är första gången du turnerar, bör du räkna med att spela var som helst så att du kan få såväl sparsamma shower. Det här är hela delen “betala dina avgifter” för att bygga en musikkarriär, och pojke är det inte för alla. Att köra hela dagen för att spela för ingen kan vara förkrossande, men om du väntar med att turnera tills du har garantier för fullspäckade shower, kan du vänta för alltid. Och så finns det musikställen. O oerfarna band spelar vanligtvis arenor som kaféer, samhällscentra, DIY -arenor och, ja, någon plats som inte är cool eller populär nog för att få in hårt följda musiker. Ja, det kan vara grovt, men det kan också vara otroligt roligt med rätt inställning. Förvänta dig inte mycket när det gäller ljudkvalitet på dessa platser.

Mindre än perfekta sovplatser

Om du eller en bandkamrat spolas med kontanter kan du förmodligen svänga ett hotellrum på turné varje kväll. Men att betala för boende blir dyrt riktigt snabbt, och de flesta nya band kommer inte att kunna svänga det. Det betyder att du förmodligen måste sova på några tuffa platser –– din bil, ljudkilleens vardagsrum, etc. DIY -turné är en ung människas spel –– wow, jag låter otroligt gammalt och säger att––, så gör säker på att förvänta dig mycket mindre sömn än du är van vid att få innan du ger dig ut.

Ovärderlig inspiration och erfarenhet

DIY -turnéer är i princip en rättighet för nya band. Det ger musiker erfarenhet inte bara av att spela musik utan också att interagera med fans och chansen att knyta nya relationer inom musik som kan vara livet ut. Det är det bästa och värsta i världen samtidigt och kan tydligt och snabbt berätta om musik är något du verkligen vill göra med ditt liv. Det du betalar för med pengar och tid och frustration får du tiofaldigt tillbaka i minnen och livserfarenhet.

Vad ska man göra musik om 2021

Att fylla en tom datorskärm eller ett vitt papper med originalsångtexter är ingen lätt uppgift. Vissa låtskrivare kämpar med tanken att det de skriver kan vara för avslöjande medan andra fruktar att det de kommer med är för tråkigt, klyschigt eller tråkigt. Den lyriska delen av låtskrivandet visar sig vara den mest utmanande för många annars begåvade låtskrivare, vilket betyder att det är något vi borde prata om.

Var uppmärksam på ditt eget liv

tyder inte att dina texter behöver vara navelblickande eller självbetjäna. Sanningen är att du inte kan låta bli att låta dina egna uppfattningar, tidigare erfarenheter och relationer forma hur du ser världen och gör musik. Mot bakgrund av detta är en av de bästa sakerna du kan göra för din textskrivningsprocess att komma i kontakt med hur du känner om ditt eget liv så gott du kan. För vissa författare passar de dramer, karaktärer och berättarbågar som finns inom ramen för sina egna erfarenheter perfekt in i deras sångtexter, men det kan och bör vara kreativt bränsle och inspiration för alla författare. Oavsett hur hårt du försöker kan du inte leva någons andra liv än ditt eget, så var uppmärksam på den du har och förvandla den till historier för din musik.

Var uppmärksam på vad som händer runt om i världen

Att skriva texter som är inspirerade av politik, världshändelser och andra dramer som spelar i stor mänsklig skala betyder inte att din musik måste vara duvhålad som politisk eller dömande. Eftersom miljontals människor lyssnar på musik för att hjälpa dem att hantera omvärlden, hjälper det dig inte att skriva meningsfulla texter om du stänger av det som händer runt omkring dig. Men det finns en fångst. Om du är öppen om dina åsikter i dina texter riskerar du att främja vissa lyssnare. Och i dagens tumultartade mediaklimat springer vissa lyssnare till musik som en tillflykt till det som händer runt omkring dem. Hur och vad du bestämmer dig för att skriva är i dina egna händer och oavsett vad du gör kommer din musik aldrig att passa alla.

Var uppmärksam på texterna till andra artister du beundrar

Om en annan artists texter stoppar dig i dina spår, kan du ta reda på varför det kan vara en stor hjälp att skriva några fantastiska egna. Att tänka på vad som gör texter till effektfulla hjälpmedel för att utveckla smak hos en musiker och en ritning för sitt eget skrivande. Jag bör notera här att detta inte betyder att kopiera en annan konstnants idéer och klistra in dem i ditt eget verk. Det är en övning som är utformad för att få dig att tänka på varför vissa texter påverkar dig och hur du får ut det mesta av att skriva egna. På samma sätt kan du ta dig tid att hitta texter som du inte jive med för att undvika samma lyriska fallgropar och klyschor.

5 sätt att komma tillbaka till att göra musik

Att skapa musik är något som är mycket givande och katartiskt för de flesta musiker, men det betyder inte att det är lätt att göra. För vissa ökar trycket från familjens och icke-musikaliska karriärer långsamt ut musikprioriteringar tills det inte finns några resurser kvar att ägna åt det. Andra går tillbaka från musiken på grund av de medfödda och oundvikliga utmaningarna som följer med den. Om du är någon som har tagit en paus från musiken och vill komma tillbaka i saker och ting, finns det saker du kan göra för att göra det till en del av ditt liv igen. Här är fem tips:

1. Definiera vad du vill göra som musiker

Det första du ska göra är att definiera vad du vill få ut av att göra musik. Att definiera stora mål du har för dig och din musik är avgörande för att skapa de mindre dagliga uppgifterna och rutinerna som du måste ställa upp för dig själv för att komma igång igen. Var inte rädd för att drömma stort här, men du måste vara specifik. Om ditt mål är att bli undertecknad av en stor etikett till exempel, försök bryta ner vad du hoppas att signerat kommer att ge dig: fler fans, kritikerros, ekonomiskt stöd, etc.

2. Sätt upp musikaliska mål varje vecka

När dina stora mål är definierade är det dags att skriva ner rimliga veckovisa uppgifter och ett schema för att göra musik som du faktiskt kan hålla dig till. Om du har stora mål att göra ett album eller öva på en ny uppsättning för turné, är ett bra sätt att få det gjort, särskilt om du är upptagen, att arbeta mot ett mål ett par ägnade timmar åt gången under en längre period. .

3. Testa ny musik i lågtrycksinställningar

Om det har varit väldigt länge sedan du har framfört eller släppt ny musik är testning av vattnet i lågtrycksinställningar ett bra sätt att återgå till saker. Öppna mikrofonkvällar, publicera musik anonymt, träffa lokala låtskrivare. Det här är alla sätt att presentera dig själv för musik efter en lång paus.

4. Lyssna på ny och oklar musik

Om du har varit ute av spelet ett tag och behöver nya idéer, överväga att söka efter och lyssna på okänd musik. Detta är något du enkelt kan göra idag med spellistor även om du är upptagen och inte har mycket tid att mata din musikvanor.

5. Ta reda på vad som hindrar dig från att göra musik

Det här sista tipset är det viktigaste som listas här. Om du inte har gjort musik på ett tag kommer saker förmodligen inte att förändras mycket förrän du lär dig varför och gör något annorlunda. Musik är arbete, även om det arbetet råkar vara roligt och känslomässigt givande för många människor. Och tills du ser det som ett arbete som måste utföras, kommer det inte att prioriteras för dig och ditt liv – jag antar att ditt liv är upptaget. Vissa musiker arbetar bara när de känner sig inspirerade, och det är de som mest troligt ger upp saker och söker grönare kreativa betesmarker. Ta reda på varför du inte har gjort musik, ändra den och börja jobba.

Den komplicerade verkligheten att spela på ett spår på scenen

Det finns en stigmatisering bland musiker om att uppträda på scenen med en backing track för det enkla faktum att de flesta artister i stor utsträckning förväntas vara de som är ansvariga för att generera alla ljud som kommer från scenen. Men med saker som sovrumsproducenter blir allt populärare och fler soloartister som letar efter sätt att spara pengar på vägen, blir användningen av backingspår allt vanligare på scenen. Till och med traditionella band börjar bredda den kreativa styrkan i deras levande ljud genom backing tracks. Men stigmas åt sidan, att spela till en backing track kan vara komplicerat, frustrerande och möjligen skadligt för en artists liveuppträdande.

Bakspår lyssnar eller justerar eller bryr sig inte

Att lägga till ett spår i liveframträdanden är en riskabel strävan även för de mest erfarna musikerna. Den främsta anledningen beror på den kalla, robotiska karaktären hos backing tracks. Till skillnad från en mänsklig musiker som kan lyssna, tolka musik direkt och justera för fel eller förändringar i ögonblicket, kan det vara ett absolut musikaliskt tågbrott på scenen att komma in tidigt eller spela fel sektion med ett spår. Och medan misstag som görs i en traditionell bandinställning är oundvikliga och kan åtgärdas, öppnar musikerna för situationer där allt de kan göra för att rädda saker är att stoppa låten och börja om.

Misstag blir särskilt grymma när spårgenererade baslinjer och ackordprogressioner är inblandade. Att spela fel sak över ett slagmönster är en sak, men att starta ett avsnitt med fel ackordprogression eller melodi kan orsaka en dissonans som alla i publiken kommer att höra direkt.

Spikar känslan och blandningen av ett backing track

Precis som med vanliga uppträdanden krävs mycket övning för att få saker att låta rätt när man lägger till ett spår i mixen av liveshow. Men att dra av backing tracks kräver mer än träning och musikalisk skicklighet. Tänk till exempel på blandningen av en typisk liveshow. En förhoppningsvis kompetent ljudtekniker är att tolka och presentera en konstnärsmusik på bästa sätt genom att blanda och behandla varje enskilt instrument ett i taget. När du kastar ett gäng olika musikaliska element i ett enda spår har ingenjören inget sätt att separera dessa ljud och behandla dem.

Det betyder att du måste kunna blanda ett bra låt som låter bra om du vill att din musik ska översättas positivt på scenen. Du och musikerna du spelar med kan låta fantastiskt, men en lerig blandning kan äventyra det övergripande ljudet av din prestation. Och slutligen, överväga hela mono vs stereo -grejen för en sekund. Vissa arenor har inte utrustning för att spela upp spår i stereo. Spela ett stereospår på en plats som denna och du kommer att få saknade delar och stora problem i din uppsättning.

Detta gäller också för oss som inte är tekniskt kunniga när det gäller att blanda och studsa spår. Att blanda ett spår på fel sätt kan leda till stora och pinsamma problem på scenen. Experiment krävs för att få saker rätt, men om du är långt på väg i din karriär kommer du förmodligen inte ha möjlighet att potentiellt spränga en prestation för att få en backingbana att fungera som du vill.

Som titeln på den här artikeln antyder kan backningsspår vara komplicerade. Men i dagens musikaliska framförandeklimat är det en komplikation som förmodligen är värd din tid att göra rätt.