Varför du bör avsluta varje låt du börjar

Om du är en aktiv låtskrivare är det säkert att anta att du har många oavslutade idéer som rullar runt i din hjärna och tar upp plats på dina hårddiskar. Vi tror att om vi skriver massor av musik kommer vi så småningom att snubbla på ett par idéer som är riktigt bra, och det är sant. Det finns dock en viktig varning som ofta lämnas utanför den här konversationen. Utan att omvandla dina idéer till färdiga låtar kommer du att göra det svårare att skriva din bästa musik och nå din fulla potential som låtskrivare.

Varför det är värt det att avsluta alla dina idéer – även de dåliga

Låtskrivande är inte en strävan för svaga hjärtan, men det visste du redan. Det kan vara ansträngande, otacksamt och frustrerande. Om du vill lyckas i det här spelet måste du odla massor av motståndskraft och disciplin, den sortens viljestyrka som får dig att arbeta när du inte vill. En stor del av det här grymma förhållningssättet till att skriva musik är att avsluta det du börjar. Det är lätt att börja låtar och ofta svårt att slutföra dem. Att följa upp bygger din erfarenhet som låtskrivare och låter dig höra en låt i sin helhet, och det finns mycket värde i detta.

Slumpmässiga beats, sångtexter, ackordförlopp, synthriff och baslinjer bär inte samma musikaliska och kreativa valuta som en hel demo gör. Halvvägs i en låt kanske du bestämmer dig för att du inte gillar det du jobbar med, eller att du helt enkelt inte är tillräckligt inspirerad för att fortsätta. Men om du anstränger dig för att avsluta det du arbetar med, kommer du att få tillfredsställelsen av att veta och höra hur allt i musiken du arbetar med hänger ihop, utvecklas och löser sig. I värsta fall är detta till hjälp för din låtskrivarupplevelse och arbetsmoral. Men i bästa fall kan idén som du inte var säker på mitt i dess utveckling faktiskt vara en bra låt.

Din uppfattning om dina oavslutade låtar kan vara felaktig

En av de bästa anledningarna till att avsluta alla dina låtar är för att du kanske har lite lovande musik i händerna och inte ens vet om det. Vissa idéer är helt enkelt dåliga. Vi alla vet det. Men andra idéer kan vara otroliga med lite utveckling och justeringar. Det är därför det är så viktigt att avsluta det du påbörjar. Vi tror ofta att vi känner till hela historien bakom en låt innan vi är klara med att skriva den, och det är helt enkelt inte sant. Vid varje given tidpunkt finns det oändliga kreativa vägar vi kan ta med vår musik. Genom att vägra ge upp en låt ger du den chansen att den behöver utvecklas till något unikt och djupgående.

Vad det innebär att “avsluta” en låt

Processen att avsluta en låt åt dig kan innefatta en professionell inspelning, produktion och mastering. Eller, på andra sidan myntet, kan det vara lika grundläggande som att spela in en snabb demo på din smartphone. Det finns inga regler för att omvandla vaga idéer till färdig musik annat än att tilldela en låt struktur och flöde. Du behöver åtminstone en ackordförlopp och någon sorts melodi. Detta skiljer sig från att skapa slumpmässiga delar av musik som inte hänger ihop. Det som gör en idé “fullbordad” mer eller mindre är sammanhållning. Även om det tar arbete att avsluta låtar, behöver det inte vara något som liknar processen att spela in en låt till ett album.

Du kan tänka på bare bones-inspelningar av dina låtar som demos, och att ha många av dem är en stor tillgång för en seriös låtskrivare. Den stora fördelen med att ha många av dem inspelade och lättillgängliga är att man kan ha många val att fundera över när det är dags att välja låtar till ett nytt album. Att utveckla den disciplin och uppföljning du behöver för att slutföra låtar nu kommer att löna sig under hela din musikkarriär på enorma sätt.

Skriv så ofta du kan och avsluta det du börjar. Om du bygger en låtskrivarpraxis som tillåter dessa saker att hända, kommer du att vara på väg att möta din kreativa potential som låtskrivare.

Hur att ändra ditt perspektiv kan hjälpa dig som musiker

Att hålla sig till samma manus när det kommer till hur du tänker kring saker som att skriva låtar eller knyta kontakt med publik på scenen som musiker är lätt. Men tyvärr, att begränsa ditt perspektiv skadar din musik och krymper ner din musikaliska värld som musiker. För att nå din sanna potential som musiker måste du ta ett steg tillbaka från de naturliga och bekväma sätten du gör saker på och fråga om det finns alternativa vägar för att se, höra och närma dig musikskapande. Det är inte lätt att göra, men det är något som avsevärt kan förbättra ditt liv som musiker om du lägger ner arbetet.

Hur man ser och hör musik på ett nytt sätt

Vanor, rutiner och förutsägbarhet kan vara enorma fördelar i en musikkarriär. Det är dessa egenskaper som hjälper oss att bemästra våra instrument och dyka upp till bandrepetitioner i tid. Det svåra är dock att de kan komma med en mörk sida när det kommer till kreativa uttryck och spontanitet. Något som att hålla sig till ett veckovis låtskrivarschema kan vara en av de bästa sakerna du kan göra för din produktivitet som någon som gör musik. Men det är också viktigt att tänka på vad och hur du skapar under dina skrivsessioner. Om du håller dig i samma mönster att göra saker som du alltid har gjort, kommer din musik inte att utvecklas och förändras på sätt som är intressanta och meningsfulla. Du kanske har många låtar att visa för din tid och hårda arbete, men det spelar ingen roll om du inte känner dig utmanad och upplivad av det du gör. Detsamma gäller allt annat i din musikkarriär, oavsett om det är att spela program eller spela in.

Att lära sig att uppleva musik på nya sätt börjar med att inse att ditt standardläge som musiker inte kan vara detsamma för länge. Om det gör det kommer ditt tillvägagångssätt att bli stillastående och oinspirerat. Att ställa frågor om oss själva och omvärlden är hur vi kan låsa upp olika perspektiv i musiken. Du kan helt enkelt tänka på dig själv som någon som är kreativt nyfiken, eller som en utredare av olika sätt att höra och skapa musik. Ta spelshower till exempel. Om det känns som att ditt band är för mycket i dina egna huvuden under shower, måste det normala sättet du uppfattar dig själv, din musik och publiken utvecklas på. Du kan testa att spela in en av dina liveuppsättningar och lyssna på den för att få publikens perspektiv. Eller så kan du bygga om ditt set från grunden med nya låtar, övergångar och metoder för att spela specifika delar.

I slutändan, hur du försöker ändra dina perspektiv i musik spelar ingen roll så länge du är engagerad i att göra arbetet med att inte acceptera dina vanliga sätt att se, höra och skapa. Att lägga märke till dina egna preferenser, vanor och beteenden är den viktigaste delen av att föra nytt till ditt liv som musiker, men sluta inte där. Att förändra och förstärka våra perspektiv inom musik handlar inte om att identifiera vad som är naturligt och bekvämt för dig och att göra tvärtom. Istället handlar det om att försöka höra och se flera vinklar av samma framförande, ackordförlopp, album eller riff. Det finns oändliga sätt att närma sig att skriva och framföra musik. Att bara hålla sig till de få du känner och är van vid kommer att strypa inte bara din kreativa potential som musiker utan även din energi och tillfredsställelse i ditt arbete.

I brist på ett bättre ord borde spela och skriva musik vara roligt på någon nivå. Genom att gå igenom rörelserna kan du spela program och göra så mycket musik du vill, men om du inte älskar det du gör, varför skulle du förvänta dig att dina lyssnare skulle göra det? Att anstränga sig för att förändra din uppfattning och ställa frågor inom musik kräver mycket arbete, och detta arbete måste ske under hela vår karriär istället för bara en gång. Men om du har ett mål att prestera och skapa på ditt bästa är det väl värt ansträngningen. Så istället för att acceptera saker som du ser och hör dem, gräv djupare. Fråga om det finns nya sätt att tänka på saker och olika vägar att gå på.

5 tips för att hålla dig aktiv i din låtskrivarövning medan du turnerar

För de flesta artister är turnerande avgörande för att tjäna pengar och bygga upp en publik. Men att vara på resande fot hela tiden medför kostnader, särskilt med att inte enkelt kunna skriva och spela in nya låtar i en musikkultur som kräver mer musik oftare än någonsin tidigare. Låtskrivande och turnerande är inte exakt kompatibla, men det är möjligt att skriva medan du turnerar. Här är ett par tips för hur man gör:

Schemalägg lediga dagar för att skapa

Det här kan vara en lyx för vissa artister, men det är så viktigt om du har ett seriöst mål att skriva ny musik medan du är på resande fot. Oavsett om det handlar om att hyra ett rum för några dagar mellan föreställningarna eller att slå med din gitarr i skåpbilen, rita in några lediga dagar då och då för att engagera dig i din låtskrivarprocess. Om vädret är fint kan du till och med hitta en lugn plats i en allmän park för att arbeta. Det kommer inte att se ut, kännas och fungera som det gör hemma, men det betyder inte att du inte kan vara produktiv. Om du skapar dedikerad tid att skriva, kommer idéerna.

Registrera alla tillfällen du kan

Journalföring är inte något som att skriva med ditt favoritinstrument eller experimentera med ett helt band, men det är ett bra sätt att skapa lyriska berättelser för din musik. Du har otaliga timmar att döda på turnén, oavsett om det hänger på bakre raden i en skåpbil eller sitter i fönstersätet på ett flygplan. Om du ägnar åtminstone en del av denna tid åt att skriva texter eller helt enkelt skriva ner dina idéer, kommer din låtskrivarprocess att bli så mycket bättre för det. Du kan skapa nya låtar baserat på vad du skriver eller arbeta för att fylla i de lyriska luckorna i de du redan arbetar med.

Slösa inte tillfällen att skriva

Att vänta på ditt set i det gröna rummet är ett utmärkt tillfälle att dricka öl och stirra på dina skor. Eller så kan du bryta ut din DAW och arbeta på lite ny musik. Det finns så många tråkiga stunder på turné, tider där man inte gör annat än att vänta. Om du kan se dessa tider som värdefulla möjligheter att skapa, förfina och utforska idéer, har du ny musik att utveckla i slutet av varje turné. Det här är inte idealiska tider för att skriva, men kom över det och skapa ändå.

Använd din omgivning för inspiration

Att turnera ger massor av upplevelser som kan inspirera din musik oavsett om det är att träffa nya människor eller känna att det bara är du eller ditt band mot världen där ute. Genom att hålla ögonen öppna på vägen har du massor av möjligheter att få tillgång till kreativ energi och idéer. Du kanske måste vara påhittig och spela in bitar av idéer på din telefon när ögonblicket slår dig, men situationer som dessa inspirerar ofta till den bästa musiken. Det är lätt att glömma, men att turnera kan vara en ansträngande upplevelse även för framgångsrika musiker. Det kan vara frestande att kolla in och gå igenom rörelserna. Men genom att skapa medvetenhet och avsikt till ditt dagliga liv har du bränsle för att skapa. Det är så enkelt som att uppmärksamma din omgivning, människorna omkring dig och dina känslor, men det betyder inte att det är lätt.

Håll ett instrument tillgängligt i skåpbilen

Det kanske måste vara en ödmjuk ukulele eller en liten handhållen synth, men att ha tillgång till ett instrument eller flera instrument i din skåpbil på turnén ger dig massor av möjligheter att skapa och förfina musikaliska idéer. Om du reser med ett band kan du stryka ut ackordförlopp och sångharmonier tillsammans. Om du reser ensam kan du arbeta på nytt material mellan långa körsträckor. Tanken här är inte att ha ett nytt albums värde av material när du kommer hem, utan att vara kreativt aktiv och engagerad hur länge du än är på turné. Att upprätthålla en nära relation med ett instrument är ett av de bästa sätten att göra detta.

Att turnera behöver inte betyda att du ställer dina låtskrivandemål på is. Med lite planering och ansträngning kan du absolut skapa och utforska ny musik under de långa timmarna av tristess på turné, oavsett om det är i gröna rum, hyrda rum eller på väg till din nästa show.

Varför misslyckande är oundvikligt i din musikkarriär

Seriösa musiker hatar misslyckanden. Detta förakt föddes hos de flesta av oss när vi lärde oss att spela ett instrument för första gången. Det finns bara ett fåtal sätt att korrekt hålla trumpinnar, fingergitarrackord eller göra sångövningar; och det finns otaliga sätt att få saker fel. När vi behärskar våra instrument och börjar skriva låtar och spela shower, dyker misslyckanden upp för oss på en mängd nya och smärtsamma sätt, som när din lokala alt-veckotidning kastar ditt album eller när ingen dyker upp till showen du har har marknadsfört i månader. Misslyckande kan vara plågsamt. Men det kan också ge enorma fördelar för din musikkarriär om du tillåter det.

Misslyckande är vanligtvis inte ett val inom musik, men vår vilja att låta det hjälpa våra karriärer är det
Den stora majoriteten av tiden är misslyckande inte något vi väljer eller planerar för inom musik. Ett misslyckande kan vara allt från att en låt inte blir som du ville ha den till att bli förbigången för en viktig möjlighet i din lokala musikscen. Ibland dyker det upp i form av ett svidande avslag, och andra gånger kommer det som FOMO, och en allmän känsla av att du inte lever upp till din kreativa potential. Misslyckande är oundvikligt i musik om du driver det länge och tillräckligt seriöst. Om du har skapat musik ett tag, har det förmodligen träffat dig i början av din karriär och har dykt upp då och då sedan dess. Vi kan inte välja om vi misslyckas eller inte för det mesta inom musik. Men vi kan välja att låta misslyckande förbättra våra liv och arbeta som musiker.

Att göra detta kräver att man ärligt räknar med våra brister och brister. När det albumet du har jobbat på i ett år inte lyckas hitta en publik, är det bara världens fel för att inte uppmärksamma din musikaliska briljans, eller är sanningen svårare att svälja, att dina låtar behöver arbete och att du gjorde det inte lagt ner något arbete på marknadsföring? När du kommer hem efter en lång turné och spelat i tomma rum, varför föll dina ansträngningar platt? Var det bara otur, eller var det fel beslut att turnera innan du etablerade dig i städerna du spelade?

På rätt sätt är misslyckande en otrolig lärare, inte bara i musik, utan i livet. När vi är modiga nog att titta på hur och varför vi misslyckas, får vi möjligheten att växa och gå framåt. Detta kräver en hel del ärlighet och vilja att förändra som människor och som musiker. Det är en attityd och ett förhållningssätt till livet som är ett universum borta från “det är alla andras fel”-filosofin, som är alltför vanlig inom musik. Musik är en otroligt svår bransch att göra karriär i, och det är därför det är vanligt att stöta på musiker som är trötta, bittra och ständigt letar efter att skylla på andra för sina problem, oavsett om det är deras lokala musikscen, gamla bandkamrater eller lyssnare i allmän.

Jag har skrivit om detta dussintals gånger på den här bloggen, och jag säger det igen: musik är en strävan där du kan göra allt rätt och ändå misslyckas. Din musik kan vara fantastisk, du kan vara begåvad och hårt arbetande, och du kanske fortfarande hittar den framgång du letar efter. Att veta detta kan befria dig med rätt attityd. Istället för att jaga konventionell framgång kan du göra spännande arbeten som hedrar din unika identitet och kreativa intuition. Istället för att skylla på andra när saker inte går som du vill, kan du acceptera att göra det du älskar och få betalt för det är något unikt svårt att uppnå inom musik. Det betyder inte att du ska ge upp, utan att du ska anamma verkligheten istället.

Om att skapa och framföra musik får dig att känna dig glad, vaken, levande och utmanad, är det enda sättet du verkligen misslyckas om du ger upp. Du får bestämma vad framgång och misslyckande betyder i musiken; ingen annan. Det här är inte bara användbara råd, utan vägledning som hjälper dig att trivas inom musik så länge du vill fortsätta skapa.

4 tips för att spela in dina egna sessioner

Inspelning kan vara en ansträngande process även när en professionell ljudtekniker sitter vid rodret. Men när en artist agerar som artist, producent och inspelningstekniker blir det ännu svårare. Mellan den överkomliga kostnaden för gör-det-själv-inspelningsutrustning och en modern lyssnande publik som har kommit att förvänta sig en konstant ström av ny musik, spelar fler artister in sina egna sessioner än någonsin tidigare. Självinspelning är inte på något sätt en enkel process, men du kommer att få det mycket bättre om du kommer ihåg dessa grundläggande tips:

Se till att saker låter precis som du vill att de ska göra innan du börjar spela in

Det finns ingen värre känsla än att få tio tagningar i en session bara för att inse att du inte spelade in, eller att dina tagningar är oanvändbara på grund av distorsion eller något annat problem. Innan du gräver i dina sessioner måste du se till att allt fungerar korrekt och låter precis som du vill ha det. En viss mängd trial and error är oundvikligt när du spelar in dina egna spår, och detta kräver vanligtvis att du springer fram och tillbaka från ditt instrument och DAW ett par gånger för att få saker rätt. Men ju mer du kan undvika att slösa tid, desto bättre. Den tid du kommer att investera i att få saker att låta rätt första gången hjälper dig att undvika mycket frustration i det långa loppet.

Spela in fler tag än du tror att du behöver

När du spelar in på egen hand har du inte fördelen av att någon lyssnar på dig och bestämmer vilka tag som är användbara och vilka som inte är det. I slutändan kommer du att behöva spela in mer än du tror att du behöver för att säkerställa att du har tillräckligt med användbart material att arbeta med. Om du tror att du har lyckats med fyra tag, gör tre eller fyra till för att vara på den säkra sidan. När du spelar in mer än du tror att du behöver, har du också den extra fördelen att du sätter dig in i processen som hjälper dig att förfina och ge energi till ditt framträdande. En producent eller inspelningstekniker skulle vanligtvis hjälpa dig att göra detta med insikter och råd, men eftersom du är ensam är det upp till dig.

Använd loopinginställningarna på din DAW för att spela in flera tagningar åt gången

Detta är det viktigaste tipset på den här listan. Moderna DAWs har loopinställningar som gör att du kan spela in flera tagningar utan att pausa. Om du slutar efter varje tagning, spelar du in dig själv på fel sätt och slösar bort massor av värdefull tid och energi i processen. När du får inställningarna för din session att låta precis som du behöver och vill att de ska, använd loopinställningarna på din DAW för att spela in take efter take tills du är klar. Att spela in som denna kräver mycket uthållighet, så var beredd på att arbeta. Men i det långa loppet kommer loopingmetoden att spara dig enormt mycket tid.

Ha tålamod och nöj dig inte

Att själv spela in dina sessioner är utmattande. Detta beror på att det är en process som kräver att du tar flera roller. Med hur svårt det är att spela in dig själv, kan det vara frestande att skära ner, nöja sig med mediokra tagningar eller missa uppenbara misstag i dina framträdanden. Tålamod och ett kompromisslöst tillvägagångssätt krävs för att klara av självinspelning. Om du rusar eller försöker tvinga fram inspirerat spel när det bara inte händer, kommer du inte att få det material du behöver. Du måste spela in fler tag än du tror att du behöver, vilket betyder att du förmodligen kommer att behöva avsätta mer tid än du tror att du behöver för att få saker gjorda. Ha inte bråttom, nöj dig inte och lyssna inte på hur saker låter och känns. Ta så många pauser du behöver för att få det du behöver.

Att spela in dig själv kan vara knepigt och tidskrävande, men friheten det ger dig är ovärderlig. Istället för att förlita dig på andra människor, låter den dig spela in, när som helst och var du vill. Med disciplin, tålamod och användningen av grundläggande strategier som looping, kommer du att kunna konstruera, producera och utföra professionella ljudupplägg på egen hand från din hemmastudio. Det är en process som kräver övning och uthållighet, men om du är en seriös musiker är det egenskaper du redan har ägnat flera år åt att utveckla.

Hur fokus på det du kan kontrollera hjälper dig att göra bättre musik

Frustration, osäkerhet och besvikelse är oundvikliga för någon som ägnar sig åt musik som karriär. Med så mycket utanför vår kontroll som låtskrivare, producenter och artister, kan det vara frestande att tro att vi inte har något att säga till om över vad som händer med vår musik.  När du fokuserar på de saker du har direkt kontroll över inom musik, sätter du dig själv på en väg mot att uppfylla din kreativa potential och nå dina mål.

Vad vi inte kan kontrollera i musik

Det är mycket vi inte har något att säga till om som musiker. När det är tekniska problem med en lokals ljudsystem eller en dålig recension av ditt senaste album kan du helt enkelt inte kontrollera mycket av vad som händer dig som en seriös musiker om du är ute i världen och försöker dela din musik. Det är sant att de faktorer som ligger utanför vår kontroll kan ha en enorm inverkan på våra karriärer, ekonomi och personliga liv. Vissa artister gör otrolig musik och fortsätter med framgångsrika karriärer. Andra artister gör musik som är lika bra, jobbar hårt i åratal och hittar aldrig riktigt en publik.

Detta kan vara en svår sanning att acceptera, men att besatta av de otaliga sakerna i musik som du inte kan kontrollera kommer inte att göra dig och din musik någon tjänst. Att göra detta tar faktiskt bort ditt fokus från där det borde vara: att skriva den bästa musiken du kan och fokusera på dina mål som musikskapare. Det är en svår position att vara i, men musik är en karriär där du kan skapa arbete som du tycker är bra, arbeta hårt för att främja det och ändå inte hitta någon framgång. Mer än att vara lite frustrerad, ditt hjärta har förmodligen blivit krossat om du någonsin har varit här.

Men istället för att titta på de yttre orsakerna till att du inte får vad du vill ha i musik, är det bästa du kan göra att omfamna verkligheten som du inte kan kontrollera mycket om hur världen uppfattar dig och din musik och att fokusera på saker du kan kontrollera. Om ingen lyssnade på ditt senaste album, vad kan du göra i framtiden för att hitta en publik till din nästa release? Kanske är ditt låtskrivande inte så starkt som det borde vara. Kanske var din marknadsföringsstrategi inte genomtänkt. Kanske släppte du albumet under pandemin och kunde inte bygga fart för musiken eftersom du inte kunde turnera. Allt detta är bara exempel, men poängen är att bedöma en situation i termer av vad du kan göra bättre eller annorlunda i framtiden.

Du kan och bör jobba dag ut och in för att bli en bättre låtskrivare. När du släpper nytt verk i dagens vansinnigt mättade musikindustri kommer du att ha väldigt svårt att hitta en publik utan att eftertänksamt marknadsföra din musik. Och även om pandemin ser ut att komplicera liveshower under lång tid framåt, kommer du inte att kunna få kontakt med lyssnare på den nivå du behöver om turné är en del av din långsiktiga strategi som artist. Du kan naturligtvis inte kontrollera pandemin, men du kan ringa för att skjuta upp en release tills fansen känner sig mer säkra på att gå på liveshower.

Istället för att beklaga den osäkerhet som följer med att göra en karriär inom musiken, fördubbla dina ansträngningar för att investera i saker du kan kontrollera istället. Är din nuvarande musik verkligen så fantastisk att det bara är en tidsfråga innan rätt personer hör den och ger dig de möjligheter du vill ha? Svaret för de flesta som läser detta är nej. För det mesta är det absolut bästa du kan göra för din karriär något du har fullständig kontroll över, vilket är att engagera dig i musikskapandeprocessen så ofta som möjligt. Fortsätt skriva bättre och bättre, och se till att det du skapar spelas in och produceras väl. Så ofta vill vi ha de stora möjligheterna inom musik utan att ha den unika, spännande och djupgående musiken för att nå dit. Om du vill lyckas med musik, skriv de bästa låtarna du kan om och om igen. Det här är inte lätt att göra, men det är 100 % inom din kontroll som artist.

5 saker att säga nej till som musiker

Öppenhet och nyfikenhet är viktiga positiva egenskaper för seriösa musiker att ha. Men att säga ja till varje möjlighet som dyker upp är en dålig idé. Oavsett om du gör musik på heltid för ditt jobb eller under varje ledig stund du kan, har du en begränsad mängd resurser och tid som musiker. Att ägna din tid och uppmärksamhet åt fel saker inom musik innebär att gå miste om de saker som faktiskt kommer att göra skillnad i din karriär. Här är fem exempel på saker du förmodligen borde säga nej till inom musik:

Få betalt med exponering

Linjen “Vi har inte råd att betala dig för att spela, men det kommer att finnas massor av folk på showen” är en musiker på alla erfarenhetsnivåer får då och då. Tanken är att showen du blir ombedd att spela kommer säkerligen att vara fylld av så många människor att du kommer att gå miste om en enorm möjlighet att få nya fans om du säger nej. Men här är grejen: att spela för exponering är nästan alltid en dålig idé. Om det verkligen är många som förväntas dyka upp, varför har inte arrangörerna eller initiativtagarna råd att betala de utövande artisterna? Någon kommer att tjäna pengar, och det kommer inte att vara du. Den här frågan handlar mindre om pengar och mer om rättvisa. Musik devalveras ständigt av situationer som denna, så din vägran att spela gratis kommer att hjälpa till att behålla din värdighet genom att kräva ersättning och uttrycka vikten av det du gör.

Samarbeten du inte brinner för

Din tid är din mest värdefulla tillgång som musiker. Att slösa bort det genom att arbeta med projekt som inte utmanar din kreativitet eller kommer dig närmare dina mål innebär att slösa bort din viktigaste resurs. Oavsett om det handlar om att uppträda på ett album eller gå med i ett nytt band, tar samarbeten upp massor av energi och tid från de projekt du faktiskt bryr dig om. Så även om det kan kännas obehagligt att säga nej på kort sikt, kommer du att spara dig själv en värld av frustration och bortkastad tid i det långa loppet. Din talang är för viktig för att slösa bort på saker som ditt hjärta helt enkelt inte är inne på, så fokusera på att göra det du älskar och säg artigt nej till allt annat.

Att turnera utan förmåner

Det är en ständig frestelse för vissa band att vilja ge sig ut på vägen hur lång tid det än tar för att nå framgång. Tyvärr är den här idén lika romantisk som den är orealistisk för de flesta band. Om du inte är en etablerad artist kommer showerna du kommer att landa utanför din hemstad förmodligen vara dåliga –– att uppträda på en strippgalleria-bar kl. 01.00 en söndagskväll till ett tomt rum eller spela ett par låtar före en komedi öppen mikrofon, till exempel. Missförstå mig inte. Den här typen av turnéer skapar upplevelse och karaktär för musiker. Men det kommer en punkt där du är mycket bättre av att stanna hemma och göra den bästa musiken du kan istället för att spendera natt efter natt med att spela i tomma rum. Att turnera håller dig inte bara borta från studion, utan också från relationer, betalande jobb och stabilitet. Om du inte tjänar nya fans, pengar eller erfarenhet, är det dags att vara mer kräsna när det kommer till turné.

Att bli skuldsatt

Ett oräkneligt antal begåvade artister har satt sig i skulder över sin musik. Många av dessa artister har varit tvungna att lägga sina musikaliska ambitioner på is eller sluta göra musik helt för att deras ekonomiska problem är så illa. För att undvika samma problem måste du undvika finansiella skulder. Visst, det låter bra på kort sikt att finansiera ditt nästa album med ett kreditkort med hög ränta, hoppa i din skåpbil och turnera för nästa år, men är det realistiskt? Kan du betala dina räkningar med streamingintäkter, försäljning av varor och pengarna du tjänar på shower varje kväll? Även om du upplever viss framgång med din musik, kommer svaret förmodligen att bli nej. Vi lever i en speciell tid där det aldrig har varit billigare att göra och dela musik. Du behöver inte sätta dig i skuld för att vara en seriös musiker, men det är fortfarande lätt att göra. Var försiktig, var kräsna och säg nej när du måste.

Låt visningar, streams och följningar avgöra ditt värde som musiker

Oavsett om du är en berömd popstjärna eller en ambitiös artist som precis har börjat, innebär att skapa musik idag att du har tillgång till en konstant ström av information som är kopplad till hur bra dina låtar presterar online. Strömmar, visningar, nedladdningar, tillägg av spellistor – det här är bara några av mätvärdena som erbjuds av streamingplattformar och musikdistributörer. Det är frestande att vara besatt av dessa siffror, men du borde inte. Din mest populära låt är inte nödvändigtvis din bästa låt.

Och om din musik inte har hittat en publik än, betyder det inte att dina låtar inte är bra. Som artist är det bara du som får bestämma ditt värde. Att låta algoritmer definiera ditt värde är för förenklat, ytligt och felaktigt. Även om dessa mätvärden kan vara till hjälp för saker som att bestämma var du ska turnera eller fokusera radiokampanjinsatser, kan siffrorna inte säga dig något om din potentiella eller kreativa förtjänst. Så säg nejnästa gång du är frestad att låta siffrorna forma ditt värde som artist.

Om du är oerfaren inom musik, kanske du vill säga ja till varje tillfälle som dyker upp. Men att lära sig att tacka nej till saker som inte kommer dig närmare dina kreativa och professionella mål är en viktig färdighet för en artist.

5 fördelar med onlinegrupper för proffs inom musikbranschen

Varje gång jag pratar om sociala medier online känner jag att jag avslöjar denna gyllene hemlighet för personen jag pratar med. Jag menar visst, vi vet alla vad onlinegrupper är, och oddsen är att de flesta av oss är mycket mer än vi behöver vara (jag vet inte hur det är med dig, men mitt flöde är praktiskt taget överfyllt med grupper som jag inte ens vill vara en del av längre men verkar aldrig avsluta prenumerationen från) och ändå är de denna vackra outnyttjade guldgruva av möjligheter och kopplingar.

Om du är ny på att gå med i onlinegrupper, låt det här vara din guide till varför de kan vara ett av de mest användbara sätten att spendera din tid, bygga ditt nätverk och utöka din musikkarriär.

De hjälper dig att bygga riktiga relationer

Du vet redan hur viktigt det är att bygga relationer i musikbranschen. Men visste du att onlinegrupper är ett av de snabbaste och mest effektiva sätten att göra det? Det är ärligt talat som att ha en hemlig genväg till rätt personer och möjligheter.Dels är det många som deltar i branschgrupper just nu. Så om du är i åtminstone ett par grupper, är ditt nätverk för anslutningar redan brett och varierat när det gäller vilken typ av bransch du hittar. Alla från  till bokningsagenter till chefer till publicister till skribenter, och alla däremellan kan hittas inom grupper.

Sedan är det faktum att onlinegrupper låter dig bygga relationer organiskt. Har du någonsin varit i den här situationen? Du vet att det finns någon du vill nå ut till eller få kontakt med men du har ingen aning om vad du ska säga till dem eller hur du ska få igång konversationen. Kanske känns det lite konstigt att bara maila någon direkt och starta en chatt, eller hur?

Onlinegrupper eliminerar den besvärligheten med inbyggda diskussioner och en mängd människor som redan vill prata om samma saker som du vill prata om. Det är ett inget pressande sätt att börja introducera dig själv i branschen samtidigt som du börjar träffa andra som du kanske aldrig visste fanns.

De kommer att ge dig unika möjligheter

Du vet hur nepotism lever och mår bra i vår bransch? Tja, här är grejen – det är en fantastisk sak, så länge du vet hur man arbetar med det och använder det för gott. Här är sanningen – nepotism suger bara om du är på andra sidan av den. Och det är verkligen inte så svårt att vara på den mottagande sidan av det. När allt kommer omkring är nepotism egentligen bara att vara vän (eller goda bekanta) med andra människor. Det är allt. Det är bara vänskap. Inte så läskigt när man bryter ner det på det sättet, eller hur?

Och när du har många vänner i hela branschen betyder det att du får presenterade möjligheter som kanske ännu inte är offentliga, men som kanske är helt perfekta för dig. När allt kommer omkring, de flesta jobbmöjligheter i vår bransch offentliggörs aldrig ens eller fylls innan de görs, så att ha det in är avgörande. Och ett av de bästa sätten att skapa de kontakter som får dig att möta dessa möjligheter? Du gissade rätt – kopplingarna du gör inom grupper.

De hjälper oss att hålla oss (och känna) anslutna

Nu mer än någonsin längtar vi alla efter den där extra anslutningen. Någon som förstår vad vi går igenom och som är där för att se oss i vått och torrt. Och låt oss inse det, ingen förstår vår bransch som de av oss i branschen. Så att ha dessa onlinegrupper för att verkligen få kontakt över de små sakerna som kan frustrera oss i vardagen, eller de stora vinsterna som bara våra andra branschfolk kommer att få är inte bara uppfriskande, det är en grundläggande del av anslutning och tillväxt.

Vi kan prata om de svårigheter vi kan ha ställts inför och få åsikter och perspektiv utifrån (vi lär oss ofta att vi inte är de enda som känner så) och vi kan dela spännande milstolpar som (hur svårt de än försöker) våra föräldrar, vänner , eller partners kanske inte förstår lika bra som de som arbetar i branschen. Och det firandet kan vara så viktigt för vår fortsatta tillväxt och framgång.

De hjälper dig att förbli relevant

Det kan vara väldigt lätt att sugas in i våra egna dagliga uppgifter som vi glömmer att hålla på med saker utanför vår omedelbara omloppsbana. Och låt oss inse det, saker och ting förändras snabbt i musikbranschen. Så att vara en del av onlinegrupper innebär att du kan lita på att andra delar nyheter, heta diskussionsämnen och olika perspektiv och ögonblick som händer inom branschen så att du kan hålla dig relevant och ha koll på nya trender och utvecklingar.

De hjälper dig att vara kreativ

Det är verkligen lätt att få tunnelseende när det kommer till våra karriärer. Att vara inne i grupper ger dig tillgång till helt andra människor, samhällsklasser, perspektiv och åsikter, och det är den exponeringen för idéer som skiljer sig från våra egna som hjälper oss att förbli kreativa, innovativa och ständigt utvecklas.

Att vara en del av grupper innebär att alltid mötas av nya idéer och inspirationer genom att få vara en del av andras berättelser när de sker i realtid. Och det är verkligen speciellt.

När du verkligentitta på allt detta, finns det någon anledning att inte ta till sig gemenskapen, anslutningen och tillväxten som kommer från onlinegrupper? När allt kommer omkring, vem vet vilka möjligheter det kan ge?

Vad du ska göra varje vecka för att bli en bättre låtskrivare

Även de mest begåvade låtskrivarna kan inte skapa sin bästa musik utan att lägga ner arbetet. Om du vill göra den bästa musiken du kan, måste du visa upp skapelseprocessen om och om igen under hela ditt liv, inte bara när du känner dig inspirerad till det. Att leva ett musikliv sker vecka för vecka, och det finns mycket du kan göra varje dag för att skapa det bästa du kan så ofta som möjligt. Att anamma dessa veckovisa vanor kommer att dramatiskt förbättra ditt liv som en seriös låtskrivare:

Engagera dig i din låtskrivarövning så ofta som möjligt

Om du vill skriva bra musik måste du skriva massor av låtar. Och eftersom det tar tid att skriva massor av låtar, måste du skriva så ofta som möjligt, inte bara när du känner för det. Det enskilt bästa du kan göra för att bli en bättre musikskapare är att skriva musik, spela in och producera musik varje dag eller åtminstone flera gånger i veckan. Skapa ett veckoschema för musikskapande och håll dig till det med det allvar du skulle göra med ett jobb. Om du gör detta och är disciplinerad kommer dina låtskrivarfärdigheter att utvecklas på sätt som du inte kan föreställa dig under nästa år. Du kan inte lyckas med låtskrivandet utan att göra jobbet, och att anstränga dig för att visa upp processen varje vecka är ett av de bästa sätten att göra det arbetet.

Lyssna kritiskt på musik

Om du lever för att skapa musik är det säkert att anta att du älskar att lyssna på den. Men hur ofta lyssnar du kritiskt på den musik du älskar? Att kritiskt lyssna på låtar är handlingen att spika ner exakt varför du känner specifika sätt om det du hör. Om en viss låt stoppar dig i dina spår, försök fråga varför. Kanske är det hur ett trumslag eller ackordförlopp utvecklas, eller så kan det vara en lyrisk berättelse du relaterar till. Att göra kritisk musiklyssnande till en vana varje vecka kommer att hjälpa dig att bli en mer passionerad och informerad låtskrivare.

Håll en dagbok

Att skriva i en dagbok ett par gånger i veckan, eller helst varje dag, kommer att förbättra ditt låtskrivande avsevärt. Allt du skriver behöver inte vara känslomässigt djupt eller djupt för att få resonans hos människor. Faktum är att du kan skriva musik om ingenting alls eller till och med nonsens och det kan fortfarande fortsätta att underhålla lyssnarna. Men som musiker bör du inte blanda ihop känslor med uttryck. Journalföring låter dig få ut dina tankar på ett sätt som är till hjälp för ofiltrerade kreativa uttryck. Det du skriver kan användas för framtida texter, eller så kan din journalföring hjälpa dig att låsa upp idéer för karriärmål eller framtida låtteman. Skriv i din dagbok innan du går och lägger dig eller när du vaknar i en månad, så kommer din musik och karriär att må bättre.

Skapa mål och arbeta mot dem

Som låtskrivare i karriären har du förmodligen specifika mål, som “försörja dig genom min musik” eller “hitta en förläggare. Det kan vara saker som att skriva och spela in ett visst antal demos per månad, eller att avsluta produktionen av en specifik låt för att avsluta ett album. Bli så detaljerad som möjligt med dessa mål och du kommer att se din produktivitet explodera som musikskapare. Den osexiga sanningen om att förbättra dina färdigheter som låtskrivare är att du måste se vad du gör som ett jobb. Du måste dyka upp och jobba även när du inte vill. Du behöver ambition och vision och mål för att lyckas. Detta tillvägagångssätt är inte menat att hindra din kreativitet, utan att släppa lös den.

När du börjar bli seriös med din låtskrivarövning varje vecka, förbättras din musik och livet börjar kännas mindre frustrerande som låtskrivare. Om du dyker upp i processen att göra musik engagerad, nyfiken och driven varje vecka, kommer du att bli belönad på enorma sätt. Att göra dessa saker varje vecka kräver mycket energidisciplin, men de är viktiga för att hjälpa dig som låtskrivare.

Vad du inte ska göra när du skriver din biografi

När du är involverad i två sidor av branschen som jag är – att vara både publicist och författare, ibland känns det som att allt du någonsin läser är artistbios.

Tro mig, jag har sett allt, och många av de bios jag har läst är inte vackra.

En bio är en stor återspegling av bandet eller artisten det handlar om. Det här kan verka som en stor duh, men du skulle bli förvånad över hur många bios där ute är dåligt skrivna eller får bandet att se dåligt ut eftersom de är dåligt skrivna. Och ärligt talat tror jag att sanningen är att de flesta av oss inte inser hur viktig en bio verkligen är, och vi vet inte vad vi ska hålla utkik efter när det kommer till att skriva dem.

Ta en titt på några av dessa don’ts för att få ett försprång på vad du inte ska göra i din nästa biorevision.

Rambla inte

Snälla, snälla, snälla, spara allas tid och energi genom att hålla din bio kortfattad.

Det här är inte platsen att tjata om och om hela ditt bands historia, eller om hela din livshistoria. Visst, du kanske är intresserad av dessa detaljer, men resten av världen är förmodligen inte det. Kom ihåg att vi ger första intryck här, vilket betyder att om en främling inte kommer att tycka att det är övertygande, måste det gå.

Din bio är en annan plats där du kan sälja dig själv och ge folk en anledning att lyssna på din musik så att de sedan förhoppningsvis kan bli nya fans. Du vill inte tråka ut dem med värdelösa fakta. Tänk på vad du skulle och inte skulle vilja veta om ett annat band, och vad som hjälper dig att sticka ut. Har du några anmärkningsvärda prestationer? Vad är ditt uppdrag? Vad är en unik historia om bandet?

Samtidigt vill vi inte ha en biografi som bara är några få meningar. Att stanna runt 400-500 ord ger dig tillräckligt med utrymme för att förmedla din berättelse och relevanta detaljer som ovan, utan att gå för långt ur spåret

Lämna inte dina fans oinformerade

Jag har läst min beskärda del av bios, och du skulle inte tro hur ofta ett bands bio kommer att utelämna information om deras senaste release. Jag förstår, du har andra saker på gång. Men innan du börjar skicka ut barnet, se till att det är uppdaterat för att återspegla vem du är och vad du faktiskt marknadsför.

Du kanske tror att ingen kommer att märka det, men sanningen är att din bio borde få en uppgradering med varje ny utgåva. Detta är avgörande eftersom om din biografi är hur du berättar för pressen, arenor etc om vem du är, måste den återspegla den senaste versionen av det.

Och den stora nyheten är att det inte behöver ta lång tid. Det mesta av din bio kan och kommer att förbli densamma, men att rotera ut information om din senaste utgåva och lägga till relevanta prestationer när de kommer in kommer att hjälpa din bio att verkligen sticka ut.

Skriv inte i första person

Det här är ett av de vanligaste misstagen jag ser artister göra, är att de skriver sin biografi i första person. Det här är ett stort nej – du vill alltid skriva i tredje person. Även om du kanske till en början känner att det är opersonligt, är detta standardpraxis och kommer att göra det hela mycket mer läsbart.

Och se, kom ihåg i skolan när lärare bad dig att skriva uppsatser i tredje person? Det är samma sak här. Att skriva din biografi i första person (t.ex. “Mitt namn är X och jag är en singer-songwriter från Texas”) låter otroligt DIY och oprofessionellt. Att använda den objektiva rösten (t.ex. “X-bandet har satt sin prägel på publik över hela USA och utanför”), å andra sidan, framstår inte bara som mer professionellt, utan det låter också läsaren ta till sig din berättelse utan fördomar.

Men om du vill lägga till en lite mer personlig touch kan du inkludera ett direkt citat, oavsett om det handlar om varför du gör musik eller budskapet bakom ditt kommande album. Citat ger ett fantastiskt djup till alla bio och hjälper till att påminna människor om att de inte läser om ett abstrakt koncept, utan om riktiga människor som skapar konst med inverkan.

Skriv inte din egen bio om skrivande inte är din starka sida

Jag förstår, ibland kan det vara riktigt svårt att skriva om oss själva. Det kan kännas konstigt och överseende, och ibland känns det bara för svårt att komma runt. Om du tycker att det är svårt att skriva om dig själv, eller om du vet att det inte är din grej att skriva på det här sättet, (eller om du vet att det inte är din styrka att skriva i allmänhet) så låt en av dina bandmedlemmar ta över , eller betala någon för att göra det åt dig.

Om din biografi är dåligt skriven kommer ingen att ta dig på allvar. Det är därför det är så viktigt att bara göra det här stycket om du redan är en stark författare som är bekväm med att skriva om dig själv. Annars, spara dig besväret och kasta någon hundra dollar för att göra det åt dig. Det kan vara värt det bara att inte spendera timmar med att plågas över det, och att se till att du har en högkvalitativ, professionellt klingande bio som ger dig mer press och möjligheter.

När allt kommer omkring, om din biografi är hörnstenen i din EPK och den första introduktionen till dig och ditt band, är det värt att göra det rätt,är det inte?